Santa Monica, sur la côte ouest des Etats-Unis.

Une maison isolée près de la plage. Des coups de feu. Un homme tombe. Sa dernière parole : « Mildred ».

Il est mort.

Une voiture démarre. Dedans, une femme.

Elle s'arrête près de la jetée. Elle s'avance, près de la rambarde. Elle pleure. Elle s'apprête à sauter, mais est retenue par un policier qui traînait dans le coin.

Cette femme, c'est Mildred Pierce Beragon (Joan Crawford). L'homme qui vient de mourir, c'est son mari, Monte Beragon (Zachary Scott).

De retour chez elle, la police l'attend. Arrivée au siège, à Los Angeles, elle raconte. Tout. Sa vie, son premier mariage avec Bert Pierce (Bruce Bennett), leur séparation, ses restaurants, et bien entendu, ses filles Kay et Veda. Surtout Veda (Ann Blyth). Veda, sa fille première-née, préférée, sa fille préférée, sa seule fille encore vivante.

Elle lui a tout offert, tout passé, tout pardonné, tout sacrifié. Alors évidemment, c'est la pire jeune fille qui soit. Peut-être l'une des pires du cinéma, d'ailleurs.

Joan Crawford a quarante ans, quand le film sort. C'est une femme mûre. Mildred Pierce est un rôle sur mesure pour elle. [Sauf peut-être au début, quand elle cuisine] Mais pour le reste, c'est une femme étonnamment forte, libre, indépendante et très habile. Et comme tous les personnages forts, elle a un point faible: sa fille.

Il faut dire que Veda est une sale jeune fille gâtée. Sa mère a tout mis en place pour qu'delle ait une éducation raffinée, qu'elle devienne une personne bien, voire une personnalité.

Sauf que Veda n'a qu'un intérêt (je pèse mes mots) : l'argent. Elle ne rêve que d'avoir, de luxe et d'y vivre.

Et Mildred obtempère : elle développe son activité jusqu'à la rendre florissante et lucrative.

Et Veda ? Veda reste toujours pareille. Une sale gosse pourrie et ingrate.

Deux fois Mildred voit clair dans le jeu de sa fille :

- La première fois, Veda reçoit une retentissante gifle (au grand plaisir du spectateur), mais aussitôt, elle regrette son geste.

- la seconde fois, c'est Mildred qui est giflée, sa fille étant alors chassée de chez elle.

Mais maintenant que nous connaissons Mildred, il y a peu de chances pour que ce soit définitif.

Mais Mildred Pierce, c'est aussi un monde de femme. Un monde dans lequel les hommes sont tolérés, mais pas essentiels. Pour Mildred, son grand amour fut Bert, mais ils sont séparés. Et les autres ?

Wally (Jack Carson), c'est un ami d'enfance, un homme d'affaire. Mais pas un amant. Juste un ami.

Monte, c'est un homme raffiné, un visage agréable, un amant. C'est aussi une opportunité de récupérer sa fille.

Bref, le seul important, c'est Bert.

Il y trois hommes, et il y a aussi trois femmes*.

Veda est la deuxième. Pour elle, un seul homme compte : Monte. Pour le titre et le monde (aristocratique) qu'il représente. Normal, c'est une arriviste.

La troisième est plus particulière : c'est Ida (Eve Arden). C'est une célibataire. Une bonne copine (avec une petite dose d'homosexualité ?). Même pour les hommes, c'est elle qui le dit. C'est elle qui aide Mildred a s'en sortir après sa rupture, et c'est elle qui continue de l'aider avec ses restaurants.

Michael Curtiz nous propose ici un film magistral sur l'amour fusionnel (unilatéral) entre une mère et sa fille. Mildred est une femme adulte qui voit sa fille grandir et s'éloigner subrepticement d'elle. Elle fait tout pour la retenir, sans s'apercevoir - ou alors il est trop tard - qu'elle précipite cette séparation. Veda n'est pas Mildred, alors que cette dernière reste convaincue que Veda est une partie d'elle-même.

En cédant à tous les caprices et désirs de sa fille, Mildred ne voit pas - malgré les fréquentes admonestations de son entourage - qu'elle détériore de plus en plus son état d'esprit, la rendant de plus en plus détestable.

L'amour rend aveugle, et Mildred en est une illustration indéniable.

Et Joan Crawford est une Mildred Pierce d'une très grande justesse, belle et émouvante. Un grand rôle, dans un grand film, pour une immense actrice.

*En prime, le rôle de la servante de Mildred Pierce - une pincée de comique dans un film noir - est tenu par Butterfly McQueen, qui fut Prissy dans Autant en emporte le Vent, et qui a toujours cette même voix caractéristique.

When you "go down the Mississippi River several miles then turn right", you find a superb mansion, with all its black servants - including a young child (Ernest Morrison).

The girl (Mildred Davis) has inherited. But there's still one small problem: she has to marry someone if she wants to live in it.

There is another slight problem: her uncle who lives in this house and does not want to go away. He would rather keep it for himself.

Far away from this mansion, another young girl is being courted by two young men. Both of them will fight to get the girl! Once this matter is settled, the winning young man (Harold Lloyd) is about to propose her. But it happens that she loves another man.

Meanwhile the young girl's (Mildred) advocate, seeking a husband for her, meets the young man and takes him to her, before he tries (again) to commit suicide.

So, they get married and move to their new Southern home. But when other stories end at this point, this one starts: the uncle does not want to leave and arranges to make them think that the house is haunted...

Here again, every situation is exploited to make us laugh: the boys fighting, the trip South in a car, and, of course, the ghost hunt.

The film is funny from the very beginning. The opening credits, apart from describing who made the film and who played in it, describe briefly but with humour the situations and characters: the girl, the boy, the uncle (no names); the location (first sentence of this article); and the time ("too late for snowballs - too early for June roses").

The intertitles keep the same humorous spirit: each quote is accompanied by a cartoon which increases the comical effect. When the advocate introduces the young man we can read: "I've brought you a husband, a minister, a ring and a cook book. Each element of the sentence is drawn from very small (husband) to very large (cook book).

But we have to wait for the second half of the movie to understand why the film is called Haunted Spooks. In the first part, the central story is the one of Harold, who, saddened by his unhappy love affair, tries several times to commit suicide (fortunately, he fails in every attempt):

- blowing his head;

- being run over by a streetcar;

- jumping in the water with a stone tied to his collar;

- drown himself;

- being run over by a car.

And then we have what we expected: a funny ghost chase with the more than well-known shot of Harold Lloyd, extremely scared by a ghost with his spiky hair standing up on his head!

This was the fourth film where Harold Lloyd and Mildred Davis played together. Three years later, they will get married, again. But this time, it was for real.

A traffic accident.

Young doctor Ferris (Charles Clary) operates on the young boy : both his legs need to be amputated.

But it is a misdiagnosis.

A youth misdiagnosis which can have fatal consequences...

Twenty-seven years later, in San Francisco, maybe the richest city in the States. Even the mobsters are rich. Blizzard (Lon Chaney) is their chief.

Blizzard is a cripple: no feet, no knees... He walks thanks to clutches.

But Blizzard is not only a mobster: he is a music lover. He is also a great piano player whose girlfriends play (voluntarily?)  the pedals for him.

His last pedal player: Rose (Ethel grey Terry). But Rose is an undercover federal agent: she must discover his dark schemes.

Because Blizzard cannot forget what happened to him as a child. He wants to take revenge, and get his legs back.

And Rose falls really in love with him.

Her is a film which helped (unintentionally) the creation of the Motion Picture Production Code:

- In the five first minutes of the film, we can see a violent death;

- the killer (James "Jim" Mason) is a drug addict and a bit neurotic;

- the main character is really a very bad man;

- he uses violence against women;

- policemen are killed;

- there is a naked woman!

So, everything is here to create a wonderful gangster movie, with - last but not least - Lon Chaney, "the Man with a thousand faces".

But this time, Lon Chaney does not use any visible make up. He only uses - with great talent - his face. He can laugh and suddenly wear a sad or threatening face or vice-versa. He has never had and will never have again such a threatening face. He really looks evil.  He is evil.

Chaney's other performance is his walk. He uses crutches or bare hands but walks on his knees (his legs tied behind). It is a very painful experience, especially when he has to jump down a stool or slide down a ramp, falling on his knees.

This film is the first of a series in which Lon Chaney plays crippled characters - mostly with Tod Browning - using or not make up : The Hunchback of Notre-Dame (Rupert Jullian, 1925); The black Bird (1926), The Road to Mandalay (1926), The black Bird (1927) and West of Zanzibar (1928), directed by Browning.

The French title (Satan) is more relevant than the American title. the Devil is always present in the movie:

-The chief of police talk about "a cripple from Hell";

- Blizzard calls himself "Satan";

- Blizzard is referred as the Beast (number 666?) in the intertitles;

- Blizzard is chosen as model by the doctor's daughter who wants to create a bust of Satan;

- Blizzard rules the underworld (do I need to explain?).

But the end of the film is a bit naïve: Blizzard is cured and becomes a good man. Society gives him another chance: he will marry Rose and use his great intelligence for Good rather than Bad.

Unless Fate gets involved...

Berlin, au Grand Hotel (il y en a un dans chaque grande ville du monde !).

Senf, le chef des chasseurs, est inquiet : sa femme doit accoucher.

Preysing (Wallace Beery), PDG d’une fabrique de tissus, est inquiet : une réunion en vue d’une fusion doit se tenir, qui sauverait son entreprise.

Fraulein Flaemm (Joan Crawford) – Flaemmchen pour les intimes – n’est  pas inquiète : elle est là pour servir de sténo à Preysing.

Otto Klingelein (Lionel Barrymore) n’est plus inquiet : il sait qu’il est condamné pour la maladie, alors il profite de la vie une dernière (première ?) fois en s’installant dans l’hôtel.

Otternschlag (Lewis Stone) est un docteur font le visage a été ravagé par une grenade pendant la grande Guerre. Absolument pas inquiet. De toute façon, pour éviter de l’être, il y a l’alcool.

Grusinskaya (Greta Garbo) est une danseuse étoile en tournée dans la ville : elle a beau être une grande artiste, elle est seule, et ne veut plus danser.

Enfin, le Baron Felix Benvenuto Frihern von Geigern (John Barrymore) est le plus inquiet : car s’il n’est baron que par le titre, il est en grand danger s’il ne rembourse pas ses dettes de jeu.

Tous ces gens se trouvent, se retrouvent, se croisent au Grand Hotel.

Tous ces destins épars ont un dénominateur commun : le baron. Un gentleman pour les uns, un insolent pour Preysing, un ami pour Klingelein, un amant pour Grusinskaya, un rat d’hôtel pour le spectateur. Mais c’est surtout le révélateur de l’intrigue. C’est par lui que les destins s’accomplissent, sacrifiant son propre bonheur pour les petits : Klingelein et Flaemmchen.

Parce que ces deux-là n’ont pas l’habitude du train de vie du Grand Hotel. Ce sont des occasionnels : Klingelein avant de mourir, Flaemmchen sur commande de Preysing. Mais ce sont eux les véritables gagnants de cette histoire. Peut-être parce qu’ils n’appartiennent pas à ce monde d’opulence, tout simplement.

Tous cherchent le bonheur – sauf le docteur qui préfère l’alcool – chacun à son niveau : Klingelein veut s’amuser une dernière fois – et finalement, ce sera aussi la première fois ; Flaemmchen, séduite par le baron, rêve d’une vie meilleure et surtout de plus d’argent ; Preysing rêve d’une fusion pour renflouer son affaire ; Grusinskaya rêve d’amour ; Geigern rêve de trouver un moyen de se tirer de l’embarras ; et Senf espère que l’accouchement de sa femme sera vite terminé.

Mais le destin veille et tous ne seront pas exaucés.

En attendant la résolution finale de ces tranches de vie, on prend beaucoup de plaisir avec ce casting de rêve :

- Greta Garbo est plus divine que jamais, toujours enveloppée dans des tenues, qui, si elles sont raffinées, sont tout de même bien fines : n’oubliez pas que c’était une Scandinave pour qui la nudité n’était pas honteuse… Mais le code Hays va changer tout ça…

- Joan Crawford est encore dans une période où elle sourit facilement, mais ce n’est pas une « petite » sténo. Elle sait ce qu’elle veut et est prête à tout pour ça, même à être agréable à ce gros salaud de Preysing.

Et puisqu’on parle de Wallace Beery, il était sur une pente ascendante depuis The Champ et était des rôles burlesques du cinéma muet.

- Lewis Stone est toujours impeccable, tiré à quatre épingles, mais irrésistible quand une bouteille pointe son nez.

- Les frères Barrymore enfin, dans deux rôles opposés mais quand on dit que les contraires s’attirent, on en a une très belle illustration. John est un magnifique « grand seigneur », alors que Lionel est un homme d’une bonté merveilleuse. De plus, on sent une complicité et une émotion passer entre eux dans les scènes qui les réunissent.

Et à la fin, quand on voit Klingelein et Flaemmchen partir, vite remplacés par un couple de jeunes mariés, on se dit que le docteur Otternschlag a peut-être raison : « Les gens vont, les gens viennent, il ne se passe jamais rien. »

Un crâne dégarni.

Des cheveux grisonnants.

Une posture significative.

Et puis la voix : Peter Cushing est de retour sur les écrans…

Plus de vingt-deux ans après sa mort !

En fait, c’est plutôt la Force qui est de retour.

Après le mitigé Réveil de cette même Force, voici un ovni dans la saga. En effet, il n’y aura aucune suite à cet opuscule, les épisodes IV, V et VI étant depuis longtemps dans la boîte.

Alors on regarde, dubitatif au début, puis progressivement on tombe sous le charme de ce chaînon manquant entre les deux trilogies.
On se retrouve donc juste avant la capture de Leia par Vader, situation initiale de Starwars IV.

On rencontre donc Jyn (Felicity Jones), dont le père Galen (Mads Mikkelsen) est le concepteur de l’Etoile de la Mort, la super arme qui sera détruite par les missiles de Luke. Il y a aussi Cassian (Diego Luna), le compagnon un peu border line, comme avait pu l’être Han Solo, débrouillard et efficace ; Saw Guerrera (Forest Whittaker) en vieux guerrier revenu de tout… Et puis bien sûr, Krennic (Ben Mendelsohn), l’inévitable méchant qui devra porter la responsabilité en cas d’échec, parce qu’il faut bien qu’il y ait échec pour l’Empire, juste pour entretenir l’espoir. C’est bien connu : sans espoir, il n’y a pas de rébellion !

Bref, que du beau monde !

Mais surtout, ce qu’il y a de réjouissant dans ce film, c’est son retour aux fondamentaux.

On retrouve l’esprit de la saga originale, sans l’aspect nostalgique du dernier opus. On a plaisir à découvrir Mads Mikkelsen ou encore Forest Whittaker dans des rôles sympathiques (en clair, du bon côté de la Force), même si on sait que leur destin est déjà scellé : comme ils n’apparaissent pas dans l’histoire suivante (opus IV), ils ont très peu de chances de survivre au film. Il n’y a pas ce lien affectif qui nous unit à la Princesse Leia ou Han Solo qui apparaissent dans Le Réveil de la Force.

L’autre atout de cette œuvre, c’est le rythme. Malgré la tendance actuelle à la surenchère d’images, Gareth Edwards tient bon et nous fait un Star Wars à l’ancienne : il prend son temps pour exposer l’intrigue (pas de bande défilante, cette fois-ci). Et puis en plein cœur de l’action, alors que ça tire de partout, il arrive à tourner des plans qui durent plus d’une seconde !

Le tout en proposant une intrigue solide avec des situations, qui si elles sont improbables, restent tout de même vraisemblables.

Et puis il y a le grand retour de notre méchant préféré : Darth Vader (que la VF continue d’appeler Vador… Mais passons). Son apparition, une vingtaine d’années après ses mutilations est un vrai plaisir. Il y a toujours du grandiose dans l’intervention de ce personnage. Cela nous permet aussi d’avoir la séquence sabre-laser, incontournable dans la franchise Starwars, tout comme la réplique que tout le monde attend : « que la Force soit avec vous ! ».

Et puis il y a les batailles spatiales – toujours autant sonorisées, même si elles sont atténuées par la musique de Michael Giacchino.

Alors on savoure ces cent trente-trois minutes avec un plaisir non dissimulé, de l’annonce attendue (« a long time ago, in a galaxy far, far away… »), jusqu’au dernier accord de la bande originale, malgré le rappel Disney.

Et puis il y a le vrai clin d’œil nostalgique. Si, si. Il y en a un. C’est l’apparition de Leia (la regrettée Carrie Fisher), maquillée et relookée par la technique pour ressembler à ce qu’elle était. C’est assez bluffant et surtout émouvant. Une émotion qui n’était pas prévue – heureusement, d’ailleurs ! – mais qui prend tout sa dimension depuis le 26 décembre dernier, jour où elle allée retrouver Vader, Yoda et les autres…

Unforgettable.

The magnificent Murnau. In my opinion, his most impressive film. There is a threat flying upon us all through the movie. And the special effects increase this threat: the coffin closes itself and moves without any help, door which opens or closes without any human intervention...

And of course, all these shadows and lights which are Murnau's touch, and a constant touch in the German cinema at this time.

This is Dracula. And even better than Dracula: Orlock (Max Schreck).

Terrifying Orlock, frightening Orlock, captivating Orlock.

A shadow became flesh and blood. With two incisors (in the later Dracula movies, his canine teeth will replace them) which help him suck his victims' blood.

Nosferatu, it is above all a strange mood, a worrying atmosphere: thanks to its characters and settings.

The first important location is Wisborg, a port city, where a plague has spread since the arrival of a phantom ship. In this boat, a few coffins containing Orlock's body and his native soil, and also a few contaminated rats.

The second important place is Orlock's castle, with its crypt where he can rest during the day. This is where everything starts. This is where Hutter (Gustav von Wangenheim) is kept prisoner after his blood had been sucked. He will escape this castle, but it will be a rough time for him.

In Wisborg, Orlock lives in a huge windy house without any windows. But he does not care. He needed a house in front of Hutter's which could allow him to spy on his wife, the one with such a beautiful neck...

The last important - and probably most impressive - location is Hutter's house: its stairs, its bare wall, and the room where the fatal vampire attack takes place.

Hutter - Harker in Bram Stoker's novel - sells a house to a strange man: count Orlock. He is the vampire's first victim (in the film). He has a wife, Ellen (Greta Schröder) - Mina -, a beautiful woman with black hair. His boss, Knock (Alexander Granach) - Renfield - has sealed a deal with Orlock, which made him his servant.

Ellen, the vampire's new victim, risks the eternal damnation, but is eventually saved. But to what cost?

And Orlock. The central character. He drives the cart which brings Hutter to his castle. We can only see his great and staring eyes. Hutter is worried also by his appearance: tall, bald, with pointed ears, thick eyebrows and very long nails, also dressed in black. He does not make big gestures: only his natural pose scares us. He is the personification of terror:

• when he appears on the deck of the boat, film in a low angle, giving the impression of someone (something?) bigger, and even more frightening ;
• when he walks up the stairs towards Ellen's room, his black shadow on the bare wall increases once more the terror.

Therefore, when he is hit by the sun rays, everyone feels relieved.

I could talk to you about the premonition of such a movie: how it announces the brown plague which spread over Germany a few years later. But I will not.

Let us appreciate this movie and consider it as it is: simply a masterpiece. No other vampire movie reached such a splendor. Except maybe Vampyr, by Carl Theodor Dreyer.

But this is another story.

Warsaw, august 1939.

The theatre company led by the GREAT Jozef Tura (Jack Benny) is rehearsing a new play: Gestapo, a mockery of Adolf Hitler and the Nazis. And in the evening, they perform Hamlet, where the same Tura tries to be the young Danish prince. Every time he starts his famous soliloquy, Stanislav Sobinsky (Robert Stack), a young aviator walks out... To meet Maria Tura (Carole Lombard), his wife !

Meanwhile, the war breaks out, and the company has to kill a traitor. Once the man is dead, someone has to take his place to meet the Gestapo chief, Erhardt (Sig Ruman). Guess who will take his place? Yes, the grrrreat Tura himself!

Then, we have a series of quid pro quo and fool's games, while the Nazis organize their deadly activities.

Can we laugh at everything? Lubitsch confirms that we can. And it was a very difficult thing to do at that time : when the movie is presented in February 1942, it's been three months since the Americans declared war to Japan and Germany. The story of the film was very close and up to date for the spectators. Hitler had become a real enemy for the actors in the film, and the spectators of the movie halls.

At that time, Hollywood had started to make films about the war in Europe. When the film was shot, Pearl Harbour had not yet been attacked. The public opinion had to be ready to enter the war with England against Germany. But other films had been presented to the American audiences: Foreign Correspondent (Alfred Hitchcock, 1940) or The long Voyage home (John Ford, 1940), for example.

Here, the two facts contributed to its success: the up-to-date context and the tragic death of Carole Lombard... In a plane crash: "what can happen in a plane?" was her last words in the movie before they were taken off.

Therefore, To be or not to be has become instantly a very strong propaganda film with its topic and its message: "the Resistance will remain and hold on against the Nazis".

But this is Lubitsch, so everything seems very light: very little blood is spilled, a few realistic elements, and a very large amount of comedy. Even in the most tense moments, a little something can evacuate it and bring us laughter.

The situation comedy is the basis of the movie. The situation gets weirder and weirder, the characters are less and less at ease as the film goes on. We start with a little cheating between husband and wife (which is not very important): a comedian meets a young man while her husband performs Hamlet's soliloquy, a fake "secret" code ("to be or not to be"), and we end up with the intervention of Hitler himself!

Moreover, the Nazis are very ridiculous, and above all Erhardt and Schultz (Henry Victor), his subordinate!

The actors chosen to play in this film are very relevant. They create this comical mood which enlightens the film, and especially Jack Benny. Tura is a poor actor and a jealous husband, but nevertheless, he manages to perform the role of his life while defending his country. Carole Lombard is a wonderful actress, but here, Benny is stupendous. He is the main character of the film.

Last reason why this film is great and very funny, the quotes:

"What he did to Shakespeare we are doing now to Poland." (Erhardt)

"So they call me Concentration Camp Ehrhardt?" (Jozef Tura, then Erhardt)

"What a husband doesn't know won't hurt his wife." (Anna)

"Shall we drink to a blitzkrieg?

- I prefer a slow encirclement." (Professor Silesky & Maria Tura)

And, of course:

"to be, or not to be"!

It all started very well: Boris Karloff, Myrna Loy and Lewis Stone on the same movie! We could start dreaming.

Boris Karloff is Fu Manchu: doctor in philosophy, Right and Mathematics. Rather an intellectual. Rightful heir of Lon Chaney, he has a magnificent head for a villain. Because Fu Manchu is the villain. He spent most of his life seeking a golden mask (the one in the title) and a great sword which belonged to Genghis Khan. Therefore, he'll be able to raise an army and throw out of his country all invaders (mostly English people).

Myrna Loy is Fah Lo See, Fu Manchu's daughter. She is a beautiful Asian with light eyes (???). Like her father, she is as cruel as she is beautiful.

Fu Manchu is the prototype of the Asian villain as we could imagine it in those days: slanted eyes, peaked eyebrows, with a long thin drooping moustache, long sharp nails, and wearing a magnificent shiny outfit. Last of those stereotypes: Fu Manchu has a sharp sadistic brain which aims to a certain refinement in cruelty. A distinguished villain: in his manners as in his cruelty.

Opposite Fu Manchu, stands Lewis Stone as Naylan Smith of the British Secret Services. He is brave, dynamic and very strong. With him, we can see Sheila Barton (Karen Morley) and her fiancé Terry Granville (Charles Starrett), two other strong characters with strong minds (especially Sheila).

It all starts with an exceptional expedition, just as in Lost World (Harry O. Hoyt, 1925), in which we could also see Lewis Stone. Here ends the comparison.

The MGM had to produce horror and monster movies. But after Freaks (Tod Browning, 1932) which was a great flop, they asked Charles Brabin to try something else.

Unfortunately, it did not work very well. Even if Boris Karloff is a great Fu Manchu, we expected something else, something better. There is something missing in this film which made Frankenstein and Dracula smashing hits. Maybe a certain unity in the story.

There is one and only Tod Browning, or James Whale.

So Charles Brabin sinks in the story like in a swamp, mixing elements with no great success: Fu Manchu, a great distinguished mind, is surrounded by a bunch of fanatics which seem to have escaped from Arabian Nights! Therefore, it is difficult for us to believe in this story. The settings too, reinforce the fact that it is not likely: we can see very classicist Oriental furniture  and very modern rooms (as they thought them in 1932), with no teal link (Fu Manchu is not Dr No!).

Moreover, the actors - especially Charles Starrett and Karen Morlay - do not always act very well.

What a pity: the original idea of this story was good. And we can see great Chinese torture worth the shot : the bell, the crocodile scale, and the silver fingers are quite amazing. Spectators in 1932 have certainly been pleased with such scenes! But such tortures will not last when the Hays Code arrives.

And these tortures cannot help with the story. Fu Manchu is a fantastic character, very well achieved (and his daughter too). But a good villain only does not make a great film. This villain needs a strong hero against him. Here, the heroes are too weak to stand a chance.

Another reason why the movie is not as great as it should be: it "only" lasts sixty-eight minutes. It is too short for such a story.

Too bad.

Rendez-vous compte : Boris Karloff, Myrna Loy et Lewis Stone sur la même affiche ! On se prend à rêver.

Boris Karloff est Fu Manchu : docteur en philosophie, droit et mathématiques, bref, une grosse tête. En digne héritier de Lon Chaney, Boris Karloff s'est fait une magnifique tête de méchant. Parce que Fu Manchu est un sacré méchant. Il recherche le sabre et le masque d'or (d'où le titre français) de Gengis Khan, afin de lever une armée pour chasser les envahisseurs (les Anglais, surtout) de son pays.

Myrna Loy est Fah Lo See, la fille de Fu Manchu. C'est une beauté asiatique aux yeux clairs (?). Elle est bien comme son père : sa cruauté est aussi grande que sa beauté.
Fu Manchu est l'archétype de l'Asiatique tel qu'on le représentait dans l'imaginaire populaire : yeux bridés, sourcils montant en pointe, moustache longue et fine tombante, ongles longs à certains doigts (index et majeur), le tout dans un habit de lumière. Et comme les stéréotypes ont la vie dure, il est en outre doté d'un esprit sadique confinant au raffinement. Bref : un méchant distingué dans ses manières comme dans sa cruauté.
En face de lui, Lewis Stone est Naylan Smith des services secrets britanniques. Il est courageux, impétueux et très fort. Il est accompagné de Sheila Barton (Karen Morley) et son fiancé Terry Granville (Charles Starrett) deux autres fortes personnalités (surtout elle !).

Ca commence par une expédition exceptionnelle, comme le Monde perdu (Harry O. Hoyt, 1925), dans lequel jouait d'ailleurs Lewis Stone. Mais ici s'arrête la comparaison.

La MGM s'est lancée à son tour dans les films d'horreur et d'épouvante. Après Tod Browning et son Freaks - échec cuisant - elle demande à Charles Brabin de réaliser un autre essai.

Hélas, ça tombe à plat. Boris Karloff a beau camper un magnifique personnage, l'effet est nul. Il manque quelque chose qui fit le sel de Frankenstein ou Dracula : une unité.

N'est pas Tod Browning ou James Whale qui veut.

Charles Brabin s'enfonce dans son histoire en mélangeant plusieurs genres : le distingué (et terrible) docteur Fu Manchu, maîtrisant aussi bien les sciences que les tortures est entouré d'une bande de fanatiques mal dégrossis qui semblent échappés des Mille et une Nuits ! On n'y croit que très difficilement. Les décors allient un classicisme oriental et des parties ultramodernes - pour 1932 - avec peu de réussite [Là encore, n'est pas le docteur No qui veut !]. Pourtant, le budget total était plus élevé que celui de Frankenstein !

De plus, le jeux des acteurs - Charles Starrett et Karen Morley en tête - est parfois limite, voire faux.

Et pourtant : il y avait une bonne idée de départ. Et surtout, on assiste à des scènes de supplice (chinois) assez formidables. Entre le supplice de la cloche, celui de la bascule aux crocodiles et les « doigts d'argent », le spectateur en a pour son argent ! Un tel déferlement de cruauté et de sadisme ne sera plus possible avec le code Hays.

Mais malheureusement, ça ne fait pas décoller l'intrigue. Fu Manchu a beau être réussi, il est le seul - avec sa fille - à sortir du lot. Et un méchant réussi ne suffit pas. Il faut aussi un héros et une histoire crédibles.

C'est peut-être ça qui manque. Ou alors la durée : soixante-huit minutes, c'est quand même trop court, pour une telle histoire.

Dommage.

Varsovie, août 1939.

La troupe du « grand comédien polonais » Jozef Tura (Jack Benny) répète Gestapo, une pièce contre Hitler et son régime. Le soir, ce même Tura interprète un Hamlet pas toujours convaincant. La preuve : à chaque fois, Stanislav Sobinski (Robert Stack, tout jeune), un jeune lieutenant d'aviation sort au moment du célèbre soliloque. En fait, il va rejoindre Maria (Carole Lombard), la femme du même Tura, qui n'est disponible que pendant ce morceau d'anthologie.

La guerre éclate et la troupe se voit contrainte d'éliminer un traître. Mais une fois tué, il faut le remplacer. C'est le grrrrand Tura qui va s'y atteler. S'ensuit une suite de quiproquos et de jeux de dupes avec comme décor de fond, le régime nazi.

Peut-on rire de tout ? Lubitsch nous confirme que oui. Parce que, arriver à faire rire sur un sujet grave et brûlant n'est pas à la portée de tout le monde : les Etats-Unis sont entrés en guerre en décembre 1941, le film sort en février 1942. Hitler est devenu l'ennemi commun des personnages du film et des spectateurs. Hollywood avait commencé à préparer l'opinion publique américaine à son entrée en guerre. En effet, quand le film a été tourné, Pearl Harbour n'avait pas encore été attaquée. D'autres films antérieurs à l'intervention américaine étaient déjà sortis : Les Hommes de la mer (John Ford, 1940), Correspondant 17 (Alfred Hitchcock, 1940)...

Mais ici, la sortie du film coïncide presque avec l'entrée en guerre. Toujours est-il que ce film est d'actualité à sa sortie. Et doublement depuis la mort de Carole Lombard un mois plus tôt... Dans un accident d'avion : « que peut-il arriver dans un avion ? » disait-elle dans le film, avant que cette réplique ne soit coupée...

To be or not to be devient donc un film de propagande extrêmement fort du fait de son actualité. Et aussi par le message qu'il veut faire passer : la Résistance sera toujours là et contrera l'action nazie.

Mais nous sommes chez Lubitsch, alors tout ceci est traité avec (fausse) légèreté : peu d'effusion de sang, quelques inserts réalistes, et une bonne dose d'humour. Même dans les moments qui semblent les plus dramatiques, il suffit d'un élément pour que la tension disparaisse et laisse la place au rire.

Le comique de situation a un très grand impact dans cet histoire. Nous assistons à une accumulation de situations plus inextricables les unes que les autres, dont la portée va en augmentant tandis que le film avance. On part d'une toute petite infidélité (qui n'en est pas vraiment une), une comédienne qui reçoit un jeune homme pendant le soliloque d'Hamlet, un petit message faussement codé (« to be or not to be ») et de fil en aiguille, on en arrive à l'intervention de Hitler « soi-même » ! De plus, les nazis sont ridicules à souhait : « Concentration-Camp-Erhardt » (Sig Ruman) et son ordonnance Schultz (Henry Victor) en tête !

Les acteurs choisis portent aussi une très grande responsabilité dans cette atmosphère comique, et en premier lieu Jack Benny. Jozef Tura est un mari jaloux, un piètre acteur, mais malgré tout, il joue le rôle de sa vie en essayant de sauver son pays. Et malgré la formidable Carole Lombard, c'est lui le personnage principal de cette histoire.

Et puis il y a les répliques qui ajoutent à l'accumulation comique du film :

« Alors, on m'appelle "Concentration-Camp-Erhardt" ? » (Jozef Tura, Erhardt)

« Ce qu'il a fait à Shakespeare, c'est ce que nous avons fait à la Pologne. » (Erhardt)

«  Buvons-nous à la Guerre-Eclair ?

- Je préfère un lent encerclement. » (Siletzski & Maria Tura)

Et bien entendu :

« To be or not to be » !