Le Monde de Djayesse

Une pensée pour Mme Kerboul qui m’a obligé à lire le roman. Je l’en remercie.

Avant, il y avait Visconti (1967). Il y a maintenant Ozon.

Et en plus, ce dernier a la manière.

Comment peut-on adapter un roman aussi absurde (terme d’ailleurs repris dedans) avec autant de brio ? Je pense qu’il suffit de s’appeler François Ozon…

Si je n’ai pas toujours été un admirateur de ce cinéaste (comme quoi tout arrive), force m’est de reconnaître que cette adaptation est magnifique (n’ayons pas peur des mots !).

Mais reprenons.

Meursault (Benjamin Voisin) enterre sa mère (Mireille Perrier). N’ayant plus de contact avec elle depuis bien longtemps, inutile de dire que cette nouvelle ne lui fait ni chaud ni froid. C’est juste un moment à passer.

Dans le même temps, il développe une relation avec la belle Marie (Rebecca Marder), qui lui ^permet de sortir de cette ambiance un tantinet mortifère.

Et puis il y a Raymond (Pierre Lottin). Celui, comme on dit, par qui « le scandale arrive ». Menacé par des autochtones (il est un brin souteneur), il s’en sort avec (seulement) quelques égratignures. Pour sa part,  Meursault retourne rencontrer Moussa (Abderrahmane Dehkani), et à cause d’un rayon de soleil sur une lame de couteau, il le tue.

François Ozon réussit le pari (pas gagné d’avance) d’adapter avec beaucoup de talent un roman des plus absurdes, donc, par essence, difficilement adaptable. Bien entendu, la phrase d’introduction (1), n’ouvre pas son film : trop facile ! Mais l’atmosphère du roman est pleinement illustrée, servie aussi par un Benjamin Voisin à la hauteur de l’événement : il est un Meursault des plus détachés de cette intrigue qui va peu à peu l’éliminer. Mais qu’importe : Meursault est avant tout un mort en sursis, voyant les gens autour de lui disparaître plus (sa mère) ou moins (Moussa) naturellement.

Il y a chez ce personnage une forme d’opportunisme primaire : loin d’être guidé par un intérêt exacerbé, Meursault prend la vie et les occasions qu’elle offre comme elles viennent : un bol de café au lait et une cigarette pendant la veillée funèbre ; la relation avec Marie ; l’amitié (-malsaine) de Raymond…

Tout n’est qu’occasion, plus ou moins avantageuse, que Meursault saisit sans discernement. Alors, bien évidemment, la rencontre fatale avec Moussa est la dernière qui s’offre à lui, et il la prend, comme les autres, sans hésiter, avançant irrémédiablement vers sa fin, qu’on peut (presque ?) qualifier de volontaire : Meursault sera condamné à mort (et exécuté) essentiellement parce qu’il ne l’empêchera pas. Alors que tout accusé de tels faits va faire l’impossible pour s’en tirer, Meursault, lui, « laisse la Justice suivre son cours », sans regret, ni même de remords.

Il n’est qu’un homme qui passe, comme des millions (milliards) d’autres.

Et c’est cette idée que François Ozon a réussi à imprimer sur pellicule (2), donnant à cette intrigue on ne peut plus complexe à mettre en scène (3) sa dimension exacte. Benjamin est un incontournable Meursault, étranger à sa vie et aux autres – même Marie – alors que tout pourrait lui réussir : travail, amour…

Et l’utilisation du noir et blanc renforce cette idée de l’étranger : à l’instar de la pensée de Meursault, le format noir et blanc ne met rien en relief. Seuls les éclairages ont de l’importance. Mais nous savons tous que si le format est « noir et blanc » alors tout est gris !

Gris comme la vie de Meursault, que rien ne fait réagir.

Gris comme son sort fatal qu’il accepte tout naturellement : s’il était heureux, sa vie ne serait pas aussi grise, et peut-être qu’il se battrait pour elle, au lieu de l’accepter froidement…

1. Aujourd’hui, Maman est morte. »
2. oui, je sais, on n’utilise plus de pellicule !
3. Ce n’est spécialement l’intrigue qui est complexe, mais surtout le propos derrière !

France, 1184.

Balian (Orlando « Legolas » Bloom), enterre sa femme et reçoit dans la foulée des chevaliers qui viennent de terre Sainte. Parmi eux, Godefroi d’Ibelin (Liam « Schindler » Neeson), qui se révèle être son père.

Après quelques formalités, il les rejoint et part avec eux vers Jerusalem. Las, Godefroi meurt, le reconnaissant comme chevalier, fils et héritier.

Balian va devoir, par la force des choses, défendre le Royaume de Jerusalem, surtout après la mort de Baudoin IV (Edward Norton) et de son héritier, fils de Sybille (Eva « Vesper » Green).

Après l’Antiquité (Gladiator), Ridley Scott se tourne une première fois vers le moyen-âge, adaptant sa version des Royaumes d’Orient. Bien entendu, comme nous sommes dans un film, il ne faut pas attendre laz Vérité – heureusement, d’ailleurs – surtout avec Scott !

Toujours est-il que la vision du cinéaste a amené la citation du docteur Hamish Dabashi : « On n'attend pas d'une œuvre d'art qu'elle nous enseigne l'histoire. Un artiste se sert du savoir qu'il possède et le place dans une œuvre d'art pour démontrer à l'humanité la vanité et la bêtise des actes de violence. ».

Parce que Kingdom of Heaven est un film violent qui, de mon point de vue, est de la pire espèce : on s’y bat pour un concept non démontré. On ne s’y bat pas pour des richesses sonnantes et trébuchantes comme d’habitude, mais pour un Dieu dont on a aucune certitude physique (c’est le propre de la foi).

Et c’est déjà le point de vue de Scott, à travers son personnage principal. Balian ne cesse de douter, malgré les exhortations qui l’entourent, voire certaines justifications quant à son action. Cette position on ne peut plus sceptique annonce d’une certaine façon Exodus: Gods & Kings, dont l’aspect merveilleux – et mythique – cède le pas sur le pragmatisme scientifique.

A aucun moment, Balian ne se tourne vers le soutien de la religion, ayant même tendance à la dénigrer, surtout face au patriarche de la cité (Jon Finch dont c’est le dernier film). IL faut dire que ce dernier est, en plus de son fanatisme, un soutien indéfectible (ou presque) de l’infâme Guy de Lusignan (Marton Csokas).

Quoi qu’il en soit, c’est à un incroyable – et magnifique – spectacle que Ridley Scott nous convie, soutenu par une kyrielle de célébrités qui mettent leur talent à son service : outre les noms déjà cités, on notera la présence de Jeremy Irons (Tiberias, régent de Jerusalem), ou encore David « Lupin » Thewlis (l’Hospitalier), pour ne citer qu’eux.

Bien entendu, comme il ne faut pas prêter trop d’attention à la vérité historique, on ne se froissera pas trop de voir les Templiers considérés comme des ennemis de Jerusalem. Il faut dire qu’ils sont dirigés par l’autre infâme : Renaud de Châtillon (Brendan « Moody Mad Eye » Gleeson), qui subira le même sort que son modèle historique.

Bref, un grand film d’un Ridley Scott en pleine forme, même si je ne saurai que trop vous conseiller la version Director’s cut qui, si elle dure cinquante minutes de plus, les vaut largement.

A (re-) voir absolument !

PS : A l’instar de Gang of New York, Liam Neeson disparaît rapidement…

C’est un homme – Jean Valjean (Grégory Gadebois) – qui marche seul, dans la campagne méridionale de la France, de village en village, sans autre but que de trouver un toit pour s’abriter et une assiette pour manger. Et rien de tout cela ne lui est possible : il porte avec lui le formulaire jaune des anciens bagnards, qu’il doit présenter aux gendarmes (gens d’armes ?) à chaque halte dans un bourg, annonçant alors son statut de paria.

Nous sommes au XIX^e  siècle et la société ne veut pas de ces (ses ?) rebuts.

Alors il continue d’avancer, jusqu’au moment où une vieille femme l’encourage à frapper à la porte de Mgr Myriel (Bernard Campan).

Enfin, une porte lui est ouverte…

Eric Besnard a donc choisi de développer l’événement marquant de la vie de son héros, celui par lequel il va complètement changer et remonter la pente qu’on disait « fatale » du crime. Cette rencontre déterminante et indispensable à l’intrigue originelle est aussi l’occasion de s’arrêter sur ces deux protagonistes principaux, leur donnant un passé conséquent et dès lors une plus grande épaisseur.

C’est une véritable opposition qu’on nous montre ici, entre deux personnages des plus dissemblables : d’un côté l’ex-bagnard, éternel paria en mouvement constant ; de l’autre un homme d’église appliquant ses préceptes, ce qui n’est pas une constant pour un personnage aussi élevé dans la hiérarchie ecclésiastique.

Et cette opposition a deux témoins, M^me Magloire (Alexandra Lamy) et Baptistine (Isabelle Carré), la sœur de l’évêque.

Et ces deux personnes vont d’une certaine manière elles aussi s’affronter : ce sont deux visions de la société qui sont face à face et qui s’opposent, sans toutefois que les deux femmes s’affrontent physiquement. Chacune va exposer son point de vue à l’évêque par rapport à l’arrivée de cet étranger au passé on ne peut plus douteux.

Et ce passé va être évoqué quand Valjean se couche pour la première fois depuis longtemps dans un lit aux draps blancs : sa vie d’avant avec sa sœur (Camille Bochaton) est ses nièces, le vol qui lui valut le bagne, sa vie là-bas avec toute sa violence ; ses tentatives infructueuses d’évasion, et sa résignation.

Il est d’ailleurs étonnant de constater que le bagne se situe dans une carrière blanche (calcaire ?) de type architectural antique, que les forçats découpent en pierres parallélépipédiques et transportent à la manière des Egyptiens élevant les pyramides. Le bagne, cet endroit des plus sombres est ici très éclairé, amenant encore une fois une opposition.

Parce que ce film est un festival d’oppositions : personnages, personnalités, mentalités… Eric Besnard développe cette idée duelle jusque dans celui qui est le centre de cette intrigue : Myriel. Parce que Myriel n’a pas toujours été « Monseigneur Bienvenu » : il fut un évêque comme les autres, avec la morgue que cela impliquait alors.

Et en cela, Besnard ne fait qu’illustrer le tout début du livre qui voit la transformation de Myriel après la rencontre du conventionnel (Patrick Pineau).

Et ce revirement du prélat annonce celui de Valjean, qui viendra plus tard, et ce malgré une rechute – la pièce de 40 sous de Petit Gervais (Ernest Mourier). Ce dernier épisode est une ultime opposition à la recommandation (injonctive) de l’évêque : devenir un honnête homme. Et cette ultime mauvaise action aura aussi ses conséquences néfastes lors du procès de Champmathieu qu’on identifie à tort comme Jean Valjean.

Tous les éléments sont là : la rédemption de Valjean va pouvoir se mettre en place, et cette histoire magnifique se dérouler.

Je terminerai sur l’interprétation en disant que Grégory Gadebois est un Valjean magnifique, dans la lignée de Harry Baur ou encore Lino Ventura (1) : une face de brute qui semble tout à fait sortir du bagne, absolument pas réformé comme le voudrait (hypocritement) la société.

Les deux femmes sont à la hauteur de l’événement avec une mention spéciale pour le maquillage d’Alexandra Lamy : M^me Magloire possède un visage ingrat fort étranger à l’actrice : j’ai eu du mal à la reconnaître.

Bernard Campan est un Myriel convaincant, jouant avec de son visage et son regard pour interpréter les deux faces de son personnage, ayant en plus à peu de chose près l’âge de son personnage.

Quant à Isabelle Carré, son visage angélique accentue son personnage qui, au vu des mœurs de l’époque, ne l’était pas spécialement…

Enfin une bonne intention qui fait un bon film !

1. Rappelez-vous : Gabin est beaucoup trop beau  pour interpréter Jean Valjean, Même s’il l’interprète avec beaucoup de justesse.

Quatre jours.

Quatre morts.

Tous par balle.

Tous avec la même arme : une carabine de précision (un fusil à lunette, quoi !).

Seulement voilà, comme l’annonce le titre, il n’y a pas de mobile apparent.

Et cela ennuie bien Stéphane Carella (Jean-Louis Trintignant), l’inspecteur en charge de l’affaire.

Une seule possibilité : chercher dans le passé de ces personnes un détail commun.

Oui, j’ai toujours trouvé qu’il y avait une parenté avec La Mariée était en noir, sorti trois ans plus tôt. Mais Labro n’est pas Truffaut (heureusement ?), et surtout le point de vue développé est celui de l’enquêteur plutôt que du tueur. C’est donc une quête niçoise teintée d’une patine sociale : nous sommes à l’aube des années 1970 et Labro dresse une sorte de tableau de la société et plus particulièrement des médias et de la police.

En effet, on y trouve plusieurs interventions des médias et en particuliers : des extraits radiophoniques avec la voix caractéristique d’André Arnaud (1) sur une station qui se revendiquait numéro un ; la presse écrite qui étale ses titres qui étale ses titres plus ou moins sensationnels ; et la télévision avec ses inévitables jeux, dont celui qui nous concerne est présenté par Julien Sabirnou (Sacha Distel). Sans oublier la ruée des journalistes vers le cœur de l’info !

Question police, nous avons le fonctionnement habituel (comme nous le trouvons ailleurs à la même époque) avec surtout le déploiement des forces de l’ordre, autre signe d’une époque. On y trouve aussi les éternels ennemis de la police en ligne de mire : les « gauchistes » fustigés par un sous-préfet à la recherche de solutions rapides.

C’est, bien entendu, un film complètement enraciné dans son époque (comme toujours, je vous le rappelle) et qui se laisse regarder avec beaucoup de plaisir.

Labro filme tranquillement son intrigue, servi par une distribution à la hauteur de son événement. On y retrouve quelques seconds rôles qui vont émailler la décennie et en prime l’énaurme Jean-Claude Rémoleux dans le rôle – furtif – d’un candidat au jeu-télé. Candidat malheureux, cela va de soi.

Sans oublier la très belle Dominique Sanda (Sandra Forest) qui participe ici à (seulement) son deuxième film français.

Et bien sûr le formidable Jean-Louis Trintignant, inspecteur dubitatif obnubilé par le lavage de ses mains.

Au final, un film policier bien ficelé où Labro, dont c’est le deuxième long métrage, prend son temps, suivant en outre les conseils de Melville. J’espère toutefois qu’il n’était pas aussi autoritaire que le maître…

Le scénario est signé Lanzmann (Jacques) et annonce une collaboration pour ses trois suivants.

Nous sommes donc en très bonne compagnie, alors nous savourons…

1. Je vous parle d’un temps que les moins de 40 ans ne peuvent pas (beaucoup) connaître…

Gretna Green, la ville des mariages.

C’est ainsi qu’est présentée cette petite ville des Etats-Unis. Et son juge de paix, l’honorable Melvin Bush (Victor Moore) célèbre des mariages sans discontinuer en cette fin d’année.

Seulement voilà : il aurait dû attendre le 1^er janvier pour s’y mettre : pendant cette dernière semaine de l’année, aucun des mariages n’est valable !

Alors, si le couple qui s’en est aperçu (une demande de divorce) n’a aucun souci à se faire, il n’en va pas de même pour tous : que faire ?  D’autant plus que l’une des parties en cause, le soldat Fisher (Eddie Bracken) doit partir à la guerre : s’il ne revient pas, son fils attendu ne sera rien d’autre qu’un enfant illégitime ! Et en 1952, c’est une situation des plus scandaleuses…

Ce sont donc cinq situations « à risque » que nous allons suivre, dirigées de main de maître par Edmund Goulding, amenant avant tout des situations comiques. Et heureusement, l’aspect scandaleux évident étant de fait éliminé. Encore que ces différentes situations n’ont pas toutes un élément comique, surtout celle qui voit les Melrose en instance de divorce : c’est d’ailleurs la seule occasion qui voit cette annulation arriver à point nommé. Toutes les autres amèneront une régularisation, ramenant un statu quo salutaire : nous sommes en 1952, que diable !

C’est une de ces friandises dont le cinéma américain a le secret, prenant appui sur une intrigue un tantinet improbable, En effet, il n’y a que là-bas qu’on peut rencontrer une telle situation : le manque de temps entre l’autorisation de se marier (une « licence », ou un « permis ») et l’acte en lui-même peut amener un tel imbroglio. Et c’est ce manque de temps – cette précipitation ? – qui amène tout le sel comique des différentes situations.

Mais c’est tout de même le cas des « époux » Melrose qui retient toute notre attention : c’est d’ailleurs le seul qui ne sera pas repris dans la fin – convenue certes – qui voit les couples   reformuler les promesses initiales, certains avec des enjeux sociaux voire sociétaux.

En effet, si le mariage n’a pas eu lieu, comment expliquer « socialement » l’enfant qu’ont eu ceux qui se croyaient les époux Norris (Marilyn Monroe & David Wayne) ? Et je ne reviens pas sur le cas des Fisher (voir plus haut).

Et Goulding, sur un scénario subtile de Nunnally Johnson & Dwight Taylor, s’amuse de ces différentes situations, envisageant un panorama objectif des différentes possibilités d’un tel cas de figure. Avec en fil rouge le juge de paix Bush, l’homme par qui le scandale peut arriver !

Mais comme nous sommes  à une époque où le scandale ne peut qu’être envisagé – et certainement pas montré – le scénario nous assure une fin « comme il faut » où malgré tout les méchants – Eve Melrose (Zsa Zsa Gábor) – sont châtiés !

Bref, une de ces comédies dont Hollywood avait le secret, servie par une kyrielle de star(lette)s : certaines sont confirmées – Ginger Rogers (Ramona Gladwyn) ou Fred Allen (Steve Gladwyn) et d’autres vont s’installer dans le paysage cinématographique américain – Marilyn Monroe, Lee Marvin (Pinky).

A (re-) découvrir…

Aujourd’hui est un grand jour pour l’ex-commissaire Dreyfus (Herbert Lom) : après avoir été interné, une commission doit se réunir pour autoriser sa sortie. Il est guéri : l’inspecteur Clouseau (Peter Sellers) ne lui fait plus ni chaud ni froid !

D’ailleurs ce dernier est venu apporter son soutien à son ancien supérieur… Avec les désagrément inévitables : Dreyfus restera dans l’établissement psychiatrique.

Jusqu’à ce qu’il s’évade et menace le monde !

Mais le monde n’a rien à craindre : l’inspecteur Clouseau veille et va déjouer les plans machiavélique de ce nouveau maître du crime.

Et de quatre !

Quatrième aventure du célèbre inspecteur où la Panthère rose – le diamant du premier épisode – n’apparaît pas, mais où l’animal introduit à nouveau l’épisode, dans un générique hommage au cinéma très réjouissant.

Pour le reste, nous retrouvons Clouseau en pleine forme – ce qui n’était malheureusement pas le cas de Peter Sellers, affaibli par les infarctus – dans une aventure qui n’est pas sans rappeler celles de James Bond : super-organisation constituée de super-criminels, rayon fatal qui fait disparaître sa cible, base secrète high-tech (etc.)…

On s’amuse toujours autant (même si le tournage ne fut pas des plus joyeux : Sellers & Edwards communiquaient par personnes interposées, créant de fait un climat de malaise dans l’équipe), Clouseau est toujours aussi maladroit et idiot, enclin à enfiler des déguisements et bien entendu séducteur… Malgré lui ! C’est un nouveau festival de gags le plus souvent visuels, avec quelques éléments en rapport avec l’accent français inimitable de Peter Sellers… Inimitable, mais surtout incompréhensible pour les autres protagonistes.

Ces autres protagonistes parmi lesquels on peut retrouver Omar Sharif (un tueur, égyptien cela va de soi) ou encore Roy « oompa loompa » Deep (tueur italien habillé en Robin Hood), et la voix de Julie Andrews pour doubler Jarvis (Michael Robbins), qui interprète un rôle un tantinet prémonitoire pour elle…

Bref, nous sommes en bonne compagnie et même si certaines séquences ont été coupées (et seront réutilisées plus tard), on ne peut que se réjouir de cette nouvelle apparition du pire inspecteur de police du cinéma : Peter Sellers était absolument fabuleux et malgré les tensions avec Blake Edwards, on ne peut que se réjouir de cette collaboration entre deux spécialistes de la comédie.

La prochaine sera, malheureusement, la dernière.

L’inspecteur Jacques Clouseau (Peter Sellers) est libre : son incarcération après l’épisode précédent, comme annoncée, était une erreur. Il a donc réintégré la police française et sert sous les ordres du commissaire Dreyfus (Herbert Lom).

Mais il est toujours aussi maladroit et c’est par erreur qu’il se retrouve chargé d’une enquête criminelle chez le millionnaire Benjamin Ballon (George Sanders) : quatre personnes sont progressivement tuées, et la jeune Maria Gambrelli (Elke Sommer) semble la coupable.

Mais l’inspecteur s’en mêle et, bien entendu, s’emmêle…

Nous sommes donc dans le deuxième épisode des aventures du commissaire Clouseau, et il faut avouer que Blake Edwards s’en donne à cœur joie, dirigeant avec brio l’extraordinaire Peter Sellers, encore plus gaffeur que la fois précédente. Nous avons même droit à une réminiscence d’un gag précédent, quand Clouseau (qui d’autre ?) fait tourner un globe terrestre.

Pour le reste, c’est un véritable hommage au cinéma burlesque qui nous est offert, Edwards accumulant les gags sans parole, dont une longue introduction justifiant le titre original (1) : un chassé-croisé der personnages peu fidèles qui vont de chambre en chambre jusqu’à ce que l’un d’entre eux soit abattu de quatre coups de pistolet.

Et comme nous sommes avec Clouseau, ce sont des gags récurrents qui s’installent, grâce aussi à la présence de deux nouveaux personnages eux aussi récurrents, Dreyfus et le serviteur Kato (Burt Kwouk). Dreyfus pour sa haine viscérale de Clouseau (et son œil qui tressaute) et Kato pour ses attaques impromptues (et inopportunes) contre son maître.

Par contre, rapidement, nous perdons le très léger intérêt que nous pouvions avoir pour l’intrigue policière qui, si elle semble résolue in fine, ne résiste pas au rouleau compresseur que représente le petit policier : il casse, se cogne, plonge (malgré lui), échappe à une série d’attentats et doit même s’enfuir d’un camp de naturistes !

Bref, Edwards et Sellers sont en pleine forme, accumulant sans répit ni retenue des gags toujours plus farfelus, pour notre plus grand bonheur.

Un régal !

1. Un coup de feu dans la nuit.

Le fauve, c’est Ralph Cotter (James Cagney), évadé du bagne dans le sang, de retour aux affaires. Il est direct et surtout, ne fait pas spécialement dans la délicatesse, éliminant sans scrupule les gêneurs.

Depuis son évasion, il vit avec Holiday Carleton (Barbara Payton) qui a organisé l’évasion de son frère (Neville Brand) dont Ralph a profité, tuant au passage ce dernier…

Voilà bientôt un an qu’est sorti L’Enfer est à lui, et nous retrouvons James Cagney dans un rôle similaire, celui d’un truand implacable et surtout extrêmement dangereux. Mais cette fois-ci, Gordon Douglas, à travers le scénario de Harry Brown, lui laisse une porte de sortie, sa rédemption : c’est le personnage de Margaret Dobson (Helena Carter) qu’il trouve sur son chemin. C’est une héritière qui lui permettrait une vie aisée, et surtout légale !

Mais bien entendu, le Destin veille, et surtout nous sommes toujours à une époque où il n’est pas question qu’un tel personnage s’en sorte. Qu’il gagne son salut, d’accord, mais qu’il y reste en même temps !

A nouveau, le film commence par la fin : c’est le jugement des complices de Cotter qui ouvre le film, avec une évidence, Cotter n’est pas là. Le principal artisan des méfaits dont nous allons être les témoins est absent e »t nous apprendrons – dans l’une des dernières séquences – pourquoi.

Et Douglas fait défiler les différents protagonistes à la barre, recréant pour nous dans une série de flashbacks, toute l’affaire : de l’évasion jusqu’à la résolution – tragique, est-il besoin de le dire – de toute cette affaire.

Et à nouveau, James Cagney crève l’écran – en plus de quelques buffets par l’intermédiaire de son personnage – interprétant un truand magnifique, dont nous savons dès le début son destin tragique (nous sommes en 1950, rappelez-vous !).

Cagney nous renvoie près de vingt ans plus tôt quand il était chez Wellman et interprétait Tom Powers : un truand sûr de lui, agissant en toute impunité.

Mais Cotter n’est pas Powers, et la grande différence entre les deux personnages vient avant tout du temps qui a passé : Powers était un jeune chien fou alors que Cotter a vécu. Il a même fait de la prison, ce qui l’a tout de même bien calmé. Quoi qu’on puisse en douter puisqu’une fois sorti, il n’a qu’une idée en tête : reprendre sa vie d’avant, avec en ligne de mire l’envie d’amasser un maximum d’argent. Pour quoi faire ? On n’en sait toujours rien, comme d’habitude !

Mais si Cagney crève l’écran c’est aussi parce que le reste de la distribution est à la hauteur et en particulier un « méchant » qu’on n’attendait pas : Ward Bond. Si ce dernier s’est installé dans le microcosme fordien, il n’en demeure pas moins une pointure dans le second rôle hollywoodien et Gordon Douglas utilise merveilleusement ses capacité : Charles Webber est un flic pourri, piégé par Cotter. D’un autre côté, c’est un doux piège : il ne fallait pas beaucoup le pousser pour qu’il passe du côté obscur…

Bref, un film noir réalisé de main de maître par un réalisateur qu’on aurait tendance à qualifier de discret et dont on reparlera très certainement ici.

C’est une femme, Vivienne (Vicky Krieps), qui meurt. Son mari, Olsen (Viggo Mortensen) lui ferme les yeux et part avec son fils (Atlas Green).

Avec la mort de Vivienne, c’est la fin d’une extraordinaire histoire d’amour, commencée un peu avant la Guerre de Sécession, à San Francisco.

Ils se rencontrent, ils s’aiment, ils s’installent ensemble. Mais il part à la guerre et l’ignoble Weston Jeffries (Solly McLeod) en profite : il la viole, lui laissant un souvenir difficile à effacer : un fils.

Alors quand Olsen revient, l’histoire d’amour ne peut plus être la même…

Encore une fois, Viggo Mortensen confirme que quand un acteur passe de l’autre côté de la caméra, le film se concentre un peu plus sur les interprètes. Et si Mortensen est encore une fois impeccable, notre attention se porte immanquablement sur Vicky Krieps qui campe une femme de l’Ouest tout à fait singulière.

EN effet, le western est considéré – depuis longtemps – comme un milieu masculin où très peu de femmes ont de l’importance. Il y a eu Johnny Guitar, Jane got a Gun, et maintenant, il y a donc Jusqu’au Bout du monde. Vivienne est une femme forte comme on en trouve dans cet Ouest hollywoodien : volontaire, et surtout qui sait tenir un revolver.

Mais si on pense à ces femmes fortes qui ont émaillé les films des grands spécialistes du genre – Ford, Hawks, Walsh (etc.) – Mortensen ajoute un élément que ses prédécesseurs n’osaient envisager (code Hays oblige) : le viol. Et surtout le viol qui laisse une trace indélébile, la présence d’un enfant.

Pour le reste, nous sommes bel et bien dans un film du genre où nous retrouvons de magnifiques (et grands) espaces naturels, et surtout une forme de manichéisme, avec un méchant qui l’est pleinement (indispensable) et bien entendu un duel final qui, s’il n’a pas lieu au soleil couchant, demeure tout de même inévitable et résout logiquement l’intrigue.

Il faut dire que le personnage de Weston Jeffries est une magnifique ordure, arrivant même à dégoûter ceux de son camp, et en particulier son père (Garret Dillahunt). Bref, un méchant absolu, qu’on a, encore une fois, du plaisir à haïr.

Et Viggo Mortensen déroule, filmant en prenant son temps une histoire d’amour singulière, là où on ne l’attendait pas. Et à l’instar de nombre des ses personnages, on retrouve une grande délicatesse dans son travail. Mais cette délicatesse n’empêche toutefois pas la violence : si le viol n’est pas montré, nous avons toutefois droit à deux pendaisons et deux morts violentes dans la première partie du film. Sans oublier le duel final qui signe la mort inéluctable du méchant (bien fait ?).

Quoi qu’il en soit, Vivienne est mise en avant pour ce qu’elle est, une femme. Mais pas une femme des années 1860 : elle est plus moderne dans sa façon de penser. Malheureusement, les hommes, eux, sont restés dans la période choisie et elle va malheureusement en souffrir. Deux éléments masculins vont faire basculer sa vie : le départ à la guerre d’Olsen (il ne peut pas s’en empêcher) et bien sûr le viol. Parce que ce sont ces deux éléments qui vont modifier cette histoire d’amour et la vie de cette femme.

Et je n’aime pas charger la mule, mais si Olsen n’était pas parti à la guerre…

D’un autre côté, il n’y aurait pas de film ! Enfin pas ce film-là.

Charles Duchemin (Louis de Funès) est le directeur des guides du même nom, ceux qui font la pluie et le beau temps sur la cuisine française.

Il visite, note et attribue les précieuses étoiles qui font la renommée de la gastronomie française. Alors bien évidemment, il fait des jaloux et surtout un de ses concurrents les plus farouches : Jacques Tricatel (Julien Guiomar). Ce dernier est le représentant de ce que nous appelons aujourd’hui la « malbouffe », et nourrit des millions de personnes via ses restaurants d’entreprises et autre relais autoroutiers.

Qui de ces deux géants de la nourriture va l’emporter sur l’autre ? Philippe Bouvard (lui-même) va trancher.

Voilà cinquante ans que le film est sorti et le moins qu’on puisse dire, c’est qu’il reste, malheureusement d’actualité. Mais pas dans le sens où on le croyait à l’époque : la malbouffe l’a emporté (dans la plupart des endroits) et si Tricatel reste un nom fictif, on n’en pense pas moins à un autre Jacques dont le nom se termine en « el », et qui proposait déjà de la nourriture loin des standards dont Duchemin est le parangon. Lui aussi a un nom qui en rappelle un autre en « in ».

Mais ce qui est avant tout un modèle de société – surtout en France, pays de la gastronomie – reste ici au niveau de la comédie, spécialité de Claude Zidi. Et nous sommes gâtés ? Parce qu’en plus d’une intrigue propice aux gags, ce sont deux grands noms de la comédie française qui se rencontrent pour notre plus grand plaisir : Louis de Funès, donc et Michel Colucci (Coluche). Si l’un représente la comédie traditionnelle du cinéma français, Coluche, pour sa part, représente la nouvelle génération : pas étonnant donc qu’on trouve des gens comme Martin Lamotte (Roland), Marie-Anne Chazel (une des convives au repas du cirque) ou encore Gérard Lanvin (un des clients du café) !

La gageure était de taille : réussir à faire se rencontrer deux monuments du rire aussi différents l’un de l’autre est déjà un exploit, mais réussir en prime le film en est un autre. Certes, à sa sortie, certains milieux bien pensants on eu tendance à conspuer cette nouvelle comédie de Zidi – je ne cite personne mais il me semble que ça pourrait se terminer par « rama » – il n’empêche que le duo fonctionne à merveille et on s’amuse du talent comique des deux protagonistes principaux.

Bien entendu, De Funès se retrouve à la tête d’un film bien français, encore une fois, mais ce sujet, somme toute grave, déborde du cadre purement hexagonal et coïncide pleinement avec l’actualité gastronomique mondiale : la restauration rapide se répand dans le monde entier et il ne va pas falloir attendre bien longtemps avant qu’une marque au M jaune s’installe en France, avec ses steaks hachés en sandwiches (1), et son clown (encore un) qui n’est pourtant pas à la Maison Blanche…

Alors on en reprend : l’aile, la cuisse et puis tout le reste, avec beaucoup de bonheur.

Et au bout d’une quinzaine de fois (plus certainement), je n’arrive pas à m’en lasser…

1. La manière de fabriquer du steak haché par l’entreprise Tricatel est inoubliable, même si un tantinet exagéré : n’est-ce pas le propre de la comédie que d’accentuer les effets ?