Le Monde de Djayesse

Paradise Alley, comme son nom ne l’indique pas (1), est un quartier défavorisé de New York. Mais si ses habitants ne sont pas bien riches, il existe entre eux une grande amitié et une grande solidarité : quand Tom « the Wop » (« le Macaroni ») est à l’hôpital, un gala est organisé pour payer ses soins, par exemple.

Mais le cœur de Paradise Alley, celui autour duquel tourne le quartier, c’est Sunshine O’Day (Barbara Bedford) qui elle, porte très bien son nom (2) : elle est le soleil de l’allée, faisant la joie de tous, surtout son père (Frank Weed) et Jerry Sullivan (Kenneth MacDonald) qui est amoureux d’elle.

Mais le riche banquier (pléonasme ?) Wotherspoon (Gayne Whitman) veut raser le quartier et y construire des usines. Ca ne passe pas du tout auprès des habitants qui vont donc s’organiser pour l’en empêcher. Bien entendu, c’est Sunshine qui dirige cette protestation.

Réjouissant. Ce film de Nelson n’est pas si petit que ça, malgré sa faible notoriété. A nouveau il adapte une pièce de théâtre et s’entoure d’interprètes qui vont la sortir de la scène pour en faire une véritable œuvre cinématographique, autre chose que du théâtre filmé. Bien sûr, de nombreuses séquences sont des intérieurs, mais le réalisateur réussit à créer tout un microcosme humain qui sert de véritable décor à l’intrigue. Et en premier lieu la belle Barbara Bedford, à l’aise dans tous les domaines, passant de la comédie à la tragédie (et inversement) avec beaucoup de talent. Tout comme son personnage, elle éclaire ce film de bout en bout. Certes, Sunshine est une (vraie) jeune fille un tantinet naïve, mais c’est aussi ce qui fait son charme : sa présentation dans la haute société est un beau moment comique, surtout avec les vieilles peaux collet monté qui en font partie.

Mais ce qui certainement le plus réjouissant dans ce film, c’est (déjà) cette belle illustration du fameux creuset (melting-pot). Quelques mois (3) avant The Shamrock & the Rose, Nelson nous expose ce brassage géographique et ethnique qui constitue les Etats-Unis d’Amérique. Outre l’Italien (voir plus haut), on trouve un Irlandais en la personne de Jerry ou bien sûr la famille de Sunshine, un Juif de l’Europe de l’Est avec Solomon Levy (Max Davidson), et même un Chinois qui est – évidemment (4) – blanchisseur. Et tout ce petit monde s’entend bien. Très bien voire parfois trop bien, ce qui dégénère en immense bagarre, commencée par une chamaillerie d’enfants !

Bref, c’est déjà un petit monde truculent, accentué par certaines trognes caractéristiques : outre Max Davidson, on notera la présence d’Alice Belcher (la femme de Levy, tiens !) au physique si particulier, véritable pendant du premier.

Mais Nelson réussit aussi un mélange bien dosé entre la comédie et la tragédie, sans pour autant tomber dans le larmoyant ni le pathétique, avec des situations autrement plus inquiétantes concernant Chet Hawkins (J. Parks Jones), le partenaire de dans de Sunshine, ou encore (et surtout) le jeune Bum (Bobby Nelson, le fils de Jack), qui est un enfant abandonné, qui dort dans la rue et fait les poubelles pour trouver sa pitance. Mais là encore, sans jouer sur la corde sensible, ce qui – à mon avis – renforce son propos.

Bref, nous sommes en très bonne compagnie, et le travail des deux cameramen est très honorable, ainsi que celui de Rick Todd qui réalise de très beaux intertitres.

Une belle surprise.

1. « Allée du Paradis »
2. « Soleil »
3. Et deux autres films : Nelson était un réalisateur très prolifique (59 films en moins de 15 ans !)
4. Ce sont les stéréotypes de l’époque, mais qui reflétaient aussi une réalité.

1957.
Billie Holiday (Andra Day, magnifique sur tous les points) est interviouvée par Reginald Lord Devine (Leslie Jordan) sur les dix années qui viennent de passer, harcelée qu’elle fut par le FBI et surtout l’un de ses directeurs, Harry J. Anslington (Garrett Hedlund). L’objectif : la faire tomber pour la drogue qu’elle se fournit régulièrement.

L’objectif officieux : l’empêcher de chanter l’extraordinaire Strange Fruit qui dénonce les lynchages récurrents des Noirs dans le Sud (surtout) des Etats-Unis.

Deux ans plus tard (le 17 juillet 1959), elle succombe à une cirrhose du foie, l’alcool ayant parachevé ce qui fut commencé par l’héroïne et le tabac.

SI le narrateur (occasionnel) est Devine, le véritable témoin de cette déchéance, c’est Jimmy Fletcher, le premier agent noir du FBI, ce que l’on appelle un « token », une espèce de gage à la différence : il est là pour montrer que le « Bureau » n’est pas raciste. Et que fait Jimmy pour le Bureau : il met en place son arrestation pour détention de drogue. Bref, les dés sont pipés pour la jeune femme (elle avait 44 ans à sa mort), et l’issue est irrémédiablement fatale. Jusqu’au bout, Anslington et son équipe vont harceler la chanteuse, allant jusqu’à l’arrêter sur son lit de souffrance avant qu’il se transforme en lit de mort.

Bref, c’est une histoire tragique, et pas besoin du film pour nous l’apprendre, tous les amateurs de jazz le savaient. C’est d’ailleurs cette tragédie annoncée qui fait tout l’intérêt du film, et alors qu’on aurait pu s’attendre à une exposition de la lente (enfin pas tant que ça) destruction de Billie par les drogues qu’elle a pu utiliser (1). Lee Daniels reste toujours au niveau de son témoin, sans pour autant occulter le rapport de Billie avec l’héroïne, mais sans en faire le centre du film. Ce qui fait le centre, par contre, ce sont les chansons, et surtout Strange Fruit, que Billie s’apprête à interpréter avant qu’on ait cette histoire d’interviouve.

Bien sûr, on va y retourner dans le film, et l’interprétation prend toute sa dimension, forts que nous sommes de tout ce qu’il s’est passé avant.

Il y a une force chez cette Billie qu’interprète Andra Day avec beaucoup de conviction, nous faisant oublier qu’elle n’est qu’une personnification de ce personnage hautement charismatique. Mais comme toujours, un bon personnage ne suffit pas, il faut un méchant à la hauteur, et Anslington est un très beau spécimen. Surtout quand on le voit recevoir une récompense des mains de rien d’autre que Kennedy (JF) alors qu’il a soixante-dix ans (trois ans après la mort de Billie). Cette séquence finale remet d’ailleurs en cause la présence de Garrett Hedlund pour l’interpréter : s’il est relativement jeune quand commence le film (55 ans !), il n’est absolument plus crédible en 1959, alors que son personnage a 65 ans. Trop jeune (2).

Mais nous sommes au cinéma, et faire s’affronter deux personnes aussi différentes (en âge, sinon en tout le reste !) n’aurait certainement pas eu le même impact. Il y a une ouverture pour l’identification voire la réunion entre le policier et la chanteuse, accentuée par la femme de ce dernier qui est une fan. Mais si on avait demandé à un acteur vieillissant de prendre ce rôle, l’affrontement racial n’aurait pas pu être mis en avant : on aurait conclu à un « conflit de générations » alors qu’on est vraiment sur le terrain du racisme.

Par contre, on peut tout de même reprocher à Lee Daniels un léger problème avec la narration. Vous m’avez souvent lu ici encenser certains scénarios (et narrateurs) mais il y a certains moments du film où on a du mal à s’y retrouver, le passé – Billie enfant – se mêlant avec le présent de la narration (sa virée dans le Sud avec (entre autres) Jimmy.

Certes, on aurait pu aller plus loin dans le traitement racial du film et charger un peu plus la mule (Anslington et l’administration qu’il représente), mais il faut se contenter de ce beau film qui met en valeur l’une des plus grandes chanteuses américaines. Et comme en plus elle était noire, le plaisir n’en est que plus grand, quand on voit les racistes « sans complexe » qui s’épanouissent auprès de nous (3).

1. Qu’on ne s’y trompe pas, l’alcool est une drogue (dure si on en juge les effets mortifères), sauf qu’elle est légale.
2. Hedlund a 37 ans quand sort le film !
3. Cette critique fut écrite lors du deuxième tour de l’élection présidentielle française, trois heures avant les résultats du vote…

Après avoir empêché l’écrasement de l’ascenseur d’une tour de 46 étages, Jack Traven (Keanu Reeves) doit empêcher l’explosion d’un bus. Jack est un policier du LAPD et il semble que ses journées soient bien rythmées. Enfin les deux que nous voyons : après l’ascenseur, le bus est piégé et si on descend au-dessous d’une certaine vitesse, il explose. Si on essaie d’exfiltrer les passagers, il explose.

Et comme le conducteur a pris une balle (perdue donc), c’est une passagère, Annie (Sandra Bullock) qui mène le train d’enfer derrière le volant.

Et tout ça pour quoi ? Parce qu’un ancien policier (Dennis Hopper) retraité (d’office) aimerait récupérer le pactole : oui, tout ça pour de l’argent.

Epoustouflant !

Jan de Bont signe ici un film qui nous tient en haleine (presque) du début à la fin. Il faut dire que ces deux attentats sont des occasions magnifiques de faire un film spectaculaire. Et c’est bel et le bien le cas ! Le rythme est soutenu et le montage dynamique, sans pour autant entrer dans les travers de la décennie suivante : pas de quoi s’étourdir avec la caméra d’Andrzej Bartkowiak. Il faut dire que l’intrigue (haletante) est suffisante pour les émotions. Et les deux stars (1) qui mènent le bal sont eux aussi en pleine forme, face à un Dennis Hopper lui aussi à en pleine forme, interprétant un très beau méchant, flirtant avec ses propres limites avant de basculer définitivement dans la folie.

Bien sûr, les personnages sont un peu sommaires, l’accent étant mis sur le spectaculaire. Mais malgré tout, le scénario de Graham Yost nous tient en haleine constamment, renouvelant ce qu'on pourrait presque appeler un huis clos : les passagers du bus sont les prisonniers involontaires de ce maniaque que ces événements vont marquer pendant un moment, tout comme les spectateurs, au moins jusqu’au prochain épisode. Parce qu’il y en aura un.

Hélas.

Quoi qu’il en soit, savourons celui-ci à sa juste mesure. Et si on peut regretter la minceur psychologique  des différents personnages, on se consolera (largement) avec un film qui est entré – à juste titre – dans le classement des 100 heart pounding movies (2).

C’est aussi un argument.

1. Reeves & Bullock ont tous deux été révélés dans les années 1990.
2. 100 films qui font battre le cœur.

Dès le générique, le ton est donné : c’est Siouxsie & the Banshees que nous entendons, à des années-lumière de la musique de l’époque (enfin un peu plus de deux cents ans).

Parce que nous sommes en 1770, au moment où Marie-Antoinette Josèphe Jeanne de Habsbourg-Lorraine (Kirsten Dunst), dernière fille de Marie-Thérèse d’Autriche (Marianne Faithful) va épouser Louis-Auguste de France (Jason Schwartzman). Elle a quatorze ans et doit abandonner tout détail qui faisait son appartenance à la maison d’Autriche.
Quatre ans plus tard, elle monte sur le trône, après la mort du vieux roi (Rip Torn).

Dès son arrivée, elle est regardée de travers. Et rien ne sera vraiment fait pour que les choses s’arrangent.

Si les costumes sont magnifiques (ils seront récompensés au pince-fesse hollywoodien l’année suivante), n’y cherchez pas beaucoup de vérité historique, si ce n’est la chronologie. On y trouve même la citation de la brioche dont le personnage refuse (à juste titre) la maternité. Rien de tout le reste, parce que nous sommes au cinéma et que tout devient possible. Même une reine qui possède des Converse !

Non, c’est avant tout l’histoire d’une jeune fille qui devient femme et surtout reine de France au pire moment qui soit : elle sera la dernière de « l’Ancien Régime ». Mais si elle devient la première dame de France, elle n’en demeure pas moins une jeune personne avec des préoccupations et des envies de son âge. Et c’est cet aspect-là que Sofia Coppola, au grand dam des spécialistes de la période (et de la personne), va développer tout au long du film.

Bien entendu, cet état d’esprit adolescent amène plusieurs débauches plus ou moins compréhensibles : fêtes, nourriture à gogo, sexualité… Tout y passe, d’autant plus que la position sociale de notre héroïne lui permet tous les excès possibles. De plus, elle est encouragée par un entourage guère plus âgé – Mme de Lamballe (Mary Nighy) ou encore la Duchesse de Polignac (Rose Byrne). Bien évidemment, l’infidélité de la reine est exploitée, sans pour autant en faire un élément de grande importance : elle reste à Louis jusqu’au bout.

Et c’est là que Sofia Coppola montre qu’elle est une grande artiste : elle prend à son compte l’histoire de cette jeune femme malheureuse (c’est la première partie du film qui la voit expérimenter la routine de Versailles pour en faire un personnage anticonformiste – elle se plaint à Mme de Noailles (Judy Davis), sorte de duègne du lieu des lourdeurs de l’étiquette – totalement décalée par rapport à son époque et surtout son milieu : un être humain, quoi, comme les autres, emmenant son mari le frileux Louis dans des expériences plus ou moins populaires (sinon vulgaires) qui ne sont pas de leur condition. Et cette insouciance sera soutenue tout du long par une musique volontairement anachronique, plus en rapport à l’adolescence telle qu’on l’imagine en 2005-6.

Mais cet excès a ses revers et d’une certaine façon explique l’issue fatale que vont vivre ces deux jeunes gens qui le seront toutefois moins quand ils arriveront.

Et ça marche : Marie-Antoinette devient une drôle de reine, dirigée par sentiments plus que par sa raison, vivant dans une fête éternelle.

Mais malgré tout cela, Coppola réussit à nous montrer la solitude de son héroïne. Elle est montrée de différente façon : par les ragots de cour qui la croient frigide parce que son mari ne la couvre pas ; par les jalousies – dont celle de la Du Barry – qu’entraîne sa position ; et surtout par le fait qu’elle reste pour tous une étrangère, malgré ses efforts pour s’intégrer dans ce nouveau pays.

De nombreuses séquences rendent compte de cet isolement, pas seulement causé par la négligence de son jeune mari : Versailles est un palais gigantesque où même un monarque peut de temps en temps se sentir peu de chose. Et la meilleure illustration de sa solitude tient en un plan qui va en s’élargissant : Marie-Antoinette est à la fenêtre (1) et la caméra prend du recul, la montrant de plus en plus petite dans ce décor (trop) grandiose.

Et rien que pour cette séquence, ça vaut le coup de voir ce film. Alors imaginez le reste. On retrouve d’ailleurs dans la position de la jeune femme celle de Bob Harris dans Lost in Translation : étrangère, dans un lieu trop grand, subissant un fonctionnement qui lui est tellement étranger…

Plus de deux cents ans après sa mort, Marie-Antoinette fascine toujours. Est-ce dû à sa personnalité ? A sa mort brutale et anticipée ? Ou au fait qu’on n’a jamais vraiment pardonné au peuple de France d’avoir exécuté son roi, et surtout sa reine, privilège que seuls les autres monarques possédaient (1) ?

1. Sans oublier que les fenêtres du château de Versailles ne sont en rien des lucarnes…
2. Henri VIII pour ne citer que lui…

Manuel Robledo (Antonio Moreno), ingénieur en Argentine, est de passage à Paris. Lors d’un bal masqué, il rencontre une superbe femme dont il tombe éperdument amoureux. Et cet amour est partagé. Le lendemain, visitant son ami le marquis de Torre Bianca (Armand Kaliz), il fait la connaissance de la femme de ce dernier, Elena (Greta Garbo).

Bien entendu, c’est la femme qu’il a rencontrée la veille.

Cette dernière sera fustigée lors d’un dîner d’adieu du riche Fontenoy (Marc McDermott), la traitant de tentatrice pour avoir abusé de sa fortune.

Robledo repart alors en Argentine terminer son chantier, fuyant aussi cette femme qui semble amener le malheur et dont les intentions ne lui semblent pas honnêtes.

Quelques temps plus tard le marquis et sa femme débarquent chez Robledo, fuyant le scandale à Paris.

Deuxième film hollywoodien de Garbo, c’est aussi le premier de trois avec Fred Niblo, qui sort d’un extraordinaire Ben Hur. A nouveau, derrière la caméra, on trouve William H. Daniels qui la cadrera magnifiquement (ce sera le cas à chaque fois), assisté ici de Tony Gaudio). Au trio masculin annoncé plus haut s’ajoute Roy D’Arcy (Manos Duras), un bandit de grand chemin aux yeux incroyablement bleus. Bref, nous sommes en très bonne compagnie (2), et c’est ce qui compte.

Par contre, Dorothy Farnum (qui a signé le scénario) n’est pas tendre avec la sublime Garbo : Elena est (très) rapidement traitée de « tentatrice » par Fontenoy, ce qui va entacher son personnage définitivement et lui refusera un quelconque bonheur.

Oui, elle aime passionnément Robledo comme elle le lui annonce au début, et d’une certaine façon, c’est une femme libre d’aimer qui elle veut, même si elle est mariée. Il suffit pour s’en convaincre de voir le marquis se comporter avec sa servante, l’embrassant sans vergogne alors que sa femme est à l’étage. De même, si Elena a « tenté » Fontenoy, c’est avant tout parce que ce dernier l’a jetée dans ses bras, espérant certaines retombées (sonnantes et trébuchantes) de cette relation. Ce sont d’ailleurs les divers cadeaux du défunt qui vont leur permettre de fuir le scandale… Mais malgré cet exil, le destin veillera à précipiter la chute de cette femme : les morts vont continuer à s’entasser autour d’elle.

Et ce genre de personnage maudit va accompagner Garbo dans plusieurs films, comme si sa beauté était synonyme de Mal : combien de rôles a-t-elle interprétés qui ne faisaient pas vraiment honneur aux femmes, la rabaissant irrémédiablement ? Son film suivant (présenté deux mois plus tard) est des plus éloquents : La Chair et le diable, où elle personnifie, bien sûr, le diable…

Et pourtant, quelle injustice frappe cette femme ! Un dialogue (par intertitres interposés) plaide pour elle et montre très bien que le problème, ce n’est pas elle, mais bien les hommes qui l’entourent :

« Mon mari… m’a vendue… A Fontenoy. (My husband – – sold me – – to Fontenoy)

   - Des hommes sont morts pour vous… ont abandonné leur travail et leur honneur… pour vous ! (Men have died for you – forsaken work and honor – for you!)

   - Pas pour moi… mais pour mon corps ! Pas pour mon bonheur, mais pour le leur. (Not for me – but for my body! Not for my happiness, but for theirs!)

Donc, quand elle annonce à Robledo (lors de leur première rencontre) qu’elle est libre de l’aimer, ce n’est pas vraiment un mensonge. Mais nous sommes en 1926 quand le film sort, et une telle attitude est inadmissible pour l’opinion publique et surtout la Motion Pictures Producers and Distributors Association qui pondra moins de 10 ans plus tard le célèbre Code Hays. Alors Elena est destinée à la déchéance : elle ne meurt pas cette fois-ci, mais son sort est tout de même peu enviable, même filmée par Daniels.

Heureusement, la vision des femmes au cinéma a changé (3), même si l’association femme fatale/Mal a longtemps perduré.

Mais que ce fut long !

1. Marc McDermott est un (petit) peu le Sean Bean de l’époque : ici encore, il meurt (bien) avant la fin du film.
2. En prime, nous avons l’immense Lionel Barrymore (Canterac, une sorte d’exilé fiscal…).
3. Ce n’est pas encore le cas partout, hélas.

Guy (Michel Blanc) est un fléau.

Dragueur, fainéant, menteur, voleur, arnaqueur (etc.), c’est une personne peu recommandable. Bref, avec un ami comme ça, plus besoin d’ennemi. Et pourtant, c’est (certainement) le meilleur ami de Daniel (Bernard Giraudeau), déménageur qui vit chez Françoise (Thérèse Liotard), sa petite amie.

Alors quand Guy est viré – pour avoir essayé d’abuser un client de trop – il se tourne vers le couple pour être hébergé « pour une ou deux nuits, juste pour dépanner ».

C’est à partir de ce moment que la vie du couple va devenir un véritable enfer.

Michel Blanc, qui avait été révélé par Les Bronzés trois ans plus tôt, se démarque de la troupe du Splendid et retrouve Patrice Leconte pour une nouvelle comédie, à mi-chemin entre ce premier film et celui qui le verra passer derrière la caméra, Marche à l’Ombre.

Et Guy incarne la transition entre les deux personnages repères de ces deux œuvres : Jean-Claude Duse (Bronzés) et Denis (Marche). Mais déjà, malgré son physique (autre source de comique), Guy est non seulement entreprenant, mais il arrive à ses fins, collectionnant les « fiancées » d’un soir (d’une nuit).

Oui, Guy est un fléau, un fléau social qui détruit tout ce qu’il approche, et surtout les relations humaines qu’il a pu tisser : en quelques semaines, il va réussir à être viré de son travail (dans un garage), virer Daniel du sien (une histoire de vol de bouteilles de grand crû) et en outre séparer le couple. Un fléau, je vous dis !

Mais si ce couple est un tantinet coupable d’abonder dans le sens de ce personnage singulier, il faut avouer qu’il est difficile de lui résister : c’est toujours avec de bonnes intentions qu’il intervient dans leur histoire. Et si Daniel se fat virer de chez Françoise, ce n’est pas seulement de la faute de Guy. De plus, son physique – supposé disgracieux comparé à celui de Bernard Giraudeau – joue en sa faveur : il a une bonne tête et on a tendance à tout lui céder. Bien entendu, une fois qu’on a commencé, c’est un engrenage, on met un doigt et le bras s’en va.

Au final, Michel Blanc pose les bases de ce qui va être son premier film. Le duo (mal assorti) du bellâtre et du gringalet au physique plus ingrat est là (et bien là) et les différentes confrontations sont un véritable régal : les dialogues sont à la hauteur de l’enjeu, signés eux aussi par Blanc. Quant à son personnage, il est lui-même une transition sociale entre J-C, et Denis : Guy est en train de glisser progressivement vers la marginalisation. Alors que Duse était un type malchanceux avec les femmes mais avec une situation financière stable (il est capable de se payer des vacances exotiques), Guy est tout d’abord viré de son boulot (deux fois) puis en instance d’expulsion. Denis devient alors le stade suivant de son évolution (négative) puisqu’il est à la rue. Certes, il n’est pas seul : à chaque fois il y a une bonne poire qui supporte ses frasques, et si à chaque fois ses deux souffre-douleur sont excédés et décident de se séparer de lui, ils lui reviennent inexorablement. Parce que Guy (comme Denis) est avant tout un type attachant.

Bref, un personnage attachiant.

PS : Renaud, qui signe une partie de la bande originale – la chanson-titre est une très belle illustration de l’intrigue – reviendra dans Marche à l’Ombre pour donner le titre du film suivant (tiré de la chanson que Michel Blanc/Denis interprète dans le métro à un endroit hautement stratégique…).

Ce dernier train, c’est celui qui doit ramener Matt Morgan (Kirk Douglas), marshal à Pawley. Mais Matt ne doit pas rentrer seul, il doit ramener Rick Belden (Earl Holliman) et Lee Smithers (Brian G. Hutton), qui ont violé et tué sa femme Katherine (Ziva Rodann).

Jusque là, rien que de très normal. Ce qui l’est moins, c’est que le jeune Rick est le fils de Craig Belden (Anthony Quinn), un vieil ami de Morgan, avec qui ils ont un (lourd) passé en commun : Craig a sauvé la vie de Matt autrefois.

Alors Craig demande à Matt de laisser son fils, en souvenir du passé. Mais Matt n’est pas d’accord. Evidemment.

Nous sommes dans une superbe tragédie classique, respectant avec maîtrise les trois unités – temps (moins d’une journée), lieu (Gun Hill), et action (amener Rick au train coûte que coûte, qui à en mourir) – servie par du beau monde : entre Sturges à la réalisation, Douglas et Quinn en frères ennemis et Carolyn «  Morticia Adams » Jones (la belle Linda) en arbitre de ce duel inévitable.

Et ça marche. Il faut croire d’ailleurs que c’est l’année qui veut cela puisque dans le même temps, Howard Hawks signait son phénoménal Rio Bravo, reprenant lui aussi ces trois unités, avec un résultat au moins similaire. Là encore, le membre d'une famille essayait de sauver un autre de la justice, malgré ses turpitudes.

Mais à la différence de chez Hawks, il y a un lien qui unit Morgan à Belden, et ce lien est très fort : Morgan doit la vie à son ancien complice. Son attitude par rapport à lui devient alors un problème cornélien, ce qui nous ramène à la tragédie classique. Et ce lien est une des clés de la réussite du film. A nouveau, le fils n’est qu’un prétexte, et si Belden ameute ses hommes pour le récupérer, on sent chez lui une sorte de lassitude : c’est parce » qu’il est son fils qu’il veut le sauver, mais il n’accepte pas pour autant ses exactions.

Et si Mrs. Morgan est morte de la faute de Rick et Lee, c’est peut-être la faute à pas de chance, mais c’est avant tout une attitude raciste qui justifie alors de s’en prendre à des êtres jugés inférieur : les Indiens. Et preuve que les choses sont en train de bouger (lentement), cet argument est d’emblée balayé par Belden (père) qui chasse Lee. Il ne peut en faire autant avec son fils, mais on sent bien que ce n’est pas l’envie qui lui manque (1).

Et devant ce face à face inévitablement tragique, on trouve un grand nombre de spectateurs : essentiellement les habitants de Gun Hill qui attendent l’issue fatale (pour Matt) avec un brin d’anxiété, mais surtout une grande dose de lâcheté.

Et la seule personne qui va s’élever contre la domination de Belden, c’est une femme. Et pas n’importe laquelle : Linda, celle qui a été un temps la compagne de Craig, avant de le quitter, lasse de sa violence et de sa préférence pour ce fils indigne qui est devenu l’enjeu de cette intrigue.

Ce n’est pas la première venue et on sent qu’elle est de la même veine que les deux hommes qui doivent s’affronter malgré eux. Et qu’on le veuille ou non, c’est sa connaissance des hommes et de ceux qui sont concernés par cette affaire qui va amener le dénouement tragique. Elle choisit le camp de Morgan (comme nous spectateurs) et va favoriser de deux manières sa réussite (2) là aussi inévitable : la Loi l’emporte toujours.

Autre signe des temps, le monologue de Matt envers Rick sur sa façon lente de le tuer : alors que le père de la jeune Indienne avait l’intention de le tuer lentement (lui aussi) à l’Indienne, Morgan va lui expliquer ce qui l’attend à l’autre bout de la ligne de chemin de fer. Un jugement et surtout une sentence définitive. Mais c’est l’exécution de cette sentence qui est le plus important dans ce monologue. Et quand on sait que c’est Dalton Trumbo (dans la clandestinité, bien sûr) qui signe les dialogues, alors on ne s’étonne pas de la teinte abolitionniste de ce que dit Matt. Nous sommes bien loin de la vengeance habituelle qu'on trouve dans d’autres westerns précédents. L’accent est mis avant tout sur l’aspect désagréable (et réaliste) de cette mise à mort légale qui était encore pratiquée aux Etats-unis en 1959 (3).

Quoi qu’il en soit, Sturges signe ici un magnifique western, possédant les ingrédients habituels avec duel final (obligatoire) qui est, d’une certaine façon la dernière forme de l’amitié qui lie les deux hommes, que cette malheureuse affaire a fait à nouveau se rencontrer.

Une dernière question me brûle les lèvres : si Katherine n’avait pas été la femme de Morgan, serait-il allé chercher ses meurtriers avec tous les risques encourus ?

Je n’ose imaginer une réponse négative.

1. Ayez des enfants…
2. Non, je ne vous les indiquerai pas.
3. La dernière pendaison remonte à 1996.

C’est bien entendu au Texas (1) – à Austin – que fut projeté pour la première fois ce film qui, ne nous y trompons pas, fait date dans le genre horreur.

Mais l’aura de ce film doit aussi beaucoup à son interdiction prolongée (8 ans en France) dans les salles.
Il faut dire que Tobe Hooper ne fait vraiment pas dans la dentelle. Même s’il faut attendre la quarantième minute du film pour que le titre soit pleinement justifié, le résultat est là : le sang est (presque) omniprésent, amené par une violence assumée.

Cinq jeunes gens – Sally Hardesty (Marilyn Burns) et son frère hémiplégique Franklin (Paul A. Partain), Kirk (William Vail), Pam (Teri McMinn) et Jerry (Allen Danziger) – se rendent à al frontière du Texas et de la Louisiane où un cimetière a été profané où se trouve la tombe du grand-père Hardesty. Ils en profitent pour pousser jusqu’à son ancienne maison – abandonnée depuis longtemps et décident d’y passer la nuit. Mais cette maison a des voisins bien mystérieux, collectionnant les crânes et autres os d’animaux et d’humains… Parmi eux, un colosse qu’on appelle Leatherface (Gunnar Hansen), parce qu’il porte un masque constitué de peau humaine cousue. C’est bien sûr ce dernier qui utilise l’engin meurtrier.

Si on comprend aisément l’interdiction qui a frappé ce film pendant toutes ces années, on a le droit, près de cinquante ans après sa sortie, de le trouver « pas si terrible que ça ».  En effet, depuis, les effets sanguinolents ont énormément évolué, accumulant toujours plus d’hémoglobine à mesure que la censure reculait. Il suffit de voir un épisode de la série Saw (2004-2021 pour l’instant) pour s’en convaincre, mais il existe d’autres exemples.

Et même, on peut parler d’archétype de film d’horreur tant sont rassemblés des éléments qui vont perdurer dans les années suivantes : un groupe de jeunes gens insouciants ; des décors inquiétants et mortifères ; un meurtrier (psychopathe, cela va de soi) qui porte un masque et massacre à bras raccourcis les victimes qui tombent à sa portée ; et bien sûr une tension qui ne fait que monter, amenant le spectateur à sursauter quand Leatherface apparaît.

Bref, tout est là pour avoir envie d’avoir peur !

De plus, la façon de filmer se rapproche des techniques documentaires, au plus près de l’action, annonçant là aussi le film de Ruggero Deodato Cannibal Holocaust, encore plus sanglant. Mais cette façon de filmer va aussi montrer ses limites quand les personnages principaux (gentils) vont s’approcher de la maison de l’horreur : la caméra, remuant les herbes folles (et hautes) pour nous montrer leur arrivée donne une impression de caméra subjective erronée : personne n’est là à épier ce qu’il se passe.

Bien sûr, cette intrigue improbable (encore que) est plus un prétexte à ce massacre annoncé, mais il faut tout de même avouer que la première apparition de Leatherface est impressionnante : sa stature colossale et son masque malsain font de lui aussi un archétype de méchant (hautement) meurtrier qui en inspirera d’autres, et parmi eux Jason Vorhees (suites Vendredi 13) ou Michael Myers (Halloween & ses suites).

Le film d’horreur entre donc dans une nouvelle ère, toujours plus sanguinolente et violente, rendant dérisoire la publicité qui fut faite autour de la sortie de Frankenstein une quarantaine d’années plus tôt.

Et puis il y a la tronçonneuse. Accessoire indispensable du film, elle n’apparaît que vers le milieu du film, maniée avec beaucoup de dextérité par Leatherface comme le prouve la dernière séquence. Bien sûr, Hooper nous montre (presque) les effets de cet engin maléfique : les corps sont découpés avec une certaine frénésie (celui de Franklin surtout) amenant les cris d’horreur inévitables de la jeune femme (Sally) presque pure. Mais à la différence de ce qu’on pourra voir plus tard, aucun membre ne se détache sous nos yeux pour s’écraser tragiquement sur le sol comme on pourra le voir dans d’autres productions du même acabit. Et si ce massacre « à la tronçonneuse » est terrible, il l’est plus par la suggestion que par la quantité de sang qu’il génère : il y aura plus de sang sur la tenue de Sally qu’ailleurs. Sans oublier le bruit du moteur qui participe grandement au climat d’angoisse.

Au final, Hooper pose des bases qui seront utilisées dans les années suivantes renouvelant – radicalement – le genre né une dizaine d’années auparavant (2). Mais une question s’impose tout de même au spectateur : une tronçonneuse thermique qui démarre aussi facilement, c’est quelle marque ?

1. Cet état américain du titre original disparaît dans la traduction française.
2. Blood Feast (Herschell Gordon Lewis, 1963)

Foutraque. Absolument foutraque. Mais drôle. Très drôle.

Wayne Campbell (Mike « Austin Powers » Myers) et son complice Garth (Dana Carvey) animent une émission vespérale sur la 10^ème chaîne de Chicago, en direct d’Aurora : Wayne’s World.

Le jeune producteur Benjamin Kane (Rob Lowe) tombe dessus par hasard et y voit une source évidente de revenus : il va proposer au duo de faire leur travail sur une grande chaîne de télévision. Et pour de l’argent !

Mais Wayne n’est pas très au courant des pratiques de ce milieu et bien sûr, rien ne se passe comme prévu. Encore que : du point de vue du spectateur et d’après ce qu’on a aperçu des deux zozos, il n’y a rien d’étonnant qui se passe…

Trente ans déjà, que ce film est sorti, révélant au niveau international Mike Myers et cette adaptation de ses interventions lors de l’incontournable Saturday Night Live. C’est absolument dingo, complètement déjanté et follement drôle (comme annoncé plus haut), ce duo improbable (encore que) aux cheveux longs et à la tenue grunge fait souffler un vent frais sur la comédie américaine. Il faut dire que ces deux drôles de héros sont de véritables adolescents attardés, sans cesse à la recherche d’une bonne répartie, accumulant les bons et les mauvais moments et surtout proposant une émission d’un degré de nullité assez efficace.

Mais ce duo ne serait rien sans les autres membres de leur émission, au même look et à la bêtise aussi crasse.

Et bien sûr, Mike Myers emporte (déjà) tout sur son passage, flanqué d’un Dana Carvey absolument irrésistible : si vous ne le croyez pas, regardez la fille avec laquelle il termine !

D’une manière générale, d’ailleurs, les « filles » du film sont toutes belles ! On retrouve ici l’un des préceptes de Harvey Kurtzman (1) à propos des parodies : ou bien les filles sont très moches, ou bien elles sont très belles. Il n’y a pas de milieu possible.

Pour le reste, c’est absolument zinzin, Myers et Carvey ne reculant devant rien pour faire rire. Ca marche et c’est le plus important.

Bien évidemment, ce n’est pas toujours très distingué et l’interview de Noah (Brian Doyle-Murray) en est l’illustration parfaite : il n’y a rien de sérieux là-dedans, et même la fin n’est pas définitive. On nous en propose même trois dont une inspirée de Scoobidoo, ce qui indique le niveau mental et culturel de ces deux zigotos.

Mais on s’amuse. Beaucoup. Et c’est ça le plus important, non ?

J’oubliais, attendez la toute fin du générique, on ne sait jamais, il peut se passer quelque chose !

1. Cf. Julius Caesar!, véritable guide de la parodie.

Il faut bien un début.

Ang Lee signe donc là les débuts cinématographiques de Hulk (Eric Bana), créature verte gigantesque et primaire sinon primate, née d’un bombardement aux rayons gamma. La voie vers les Avengers (et tous les films s’y rapportant) est ouverte.

Bruce Banner (Eric Bana, donc) est chercheur en génétique, tout comme son père (Nick Nolte). Ce dernier a créé une mutation d’ADN qu’il s’est lui-même inoculé, la passant par la même occasion à son fils qui va naître. Cette mutation, va réagir anormalement aux rayons gamma lors d’une expérience qui aurait pu encore plus mal tourner : excité par une colère ou une quelconque blessure, il devient un colosse hors norme (pléonasme ? Oui, aussi) qui détruit tout ce qui se trouve à sa portée, afin d’exprimer pleinement cette colère.

Dès lors, sa différence en fait un danger public, que l’administration (militaire) américaine va essayer de détruire. Inutilement d’ailleurs, vous vous en doutez bien.

Ce film comporte aussi ce qui sera une des marques de fabrique de Marvel : l’apparition du grand Stan Lee, qui est ici  accompagné d’une autre personnalité notable, Lou Ferrigno, celui qui interpréta la créature pour la télévision dans les années 1970. Et d’une certaine manière, on retrouve un peu la même façon de filmer des séries de cette époque dans ce film, tout comme certains décors qui, s’ils se déroulent au début du XXI^ème siècle, rappellent cette époque antérieure : la base souterraine du général Ross (Sam Elliott) semble tout droit sortie d’un James Bond contemporain à cette période.

Et Ang Lee réussit ici une très belle synthèse entre le monde en papier d’où vient ce héros singulier, et le cinéma et toutes les possibilités qu’il offre pour le mettre en vie : il va régulièrement démultiplier l’écran, offrant plusieurs points de vue sur une même image, comme Jack Kirby (le dessinateur historique de Hulk) le faisait sur une planche de sa bande dessinée.

De plus, Ang Lee pose les bases cinématographiques de ce qui est – à mon humble avis – son chef-d’œuvre, L’Odyssée de Pi, travaillant sans relâche sur une esthétique incroyable est superbe. Bien sûr, le vert domine dans toutes les séquences, mais il y a un soin particulier pris pour effectuer les différentes transitions entre ces séquences, utilisant un détail ou une forme pour passer à autre chose. Parfois avec un peu moins de bonheur, mais très rarement.

Au final, Hulk apparaît plus comme un galop d’essai qu’autre chose du point de vue de Marvel, puisque cinq ans plus tard, il sera effectué une nouvelle version, avec Edward Norton dans le rôle titre, dirigé par un Louis Leterrier dont les objectifs cinématographiques sont tout de même bien différents de ceux de Lee.

Mais ceci est – vous vous en doutez – une autre histoire.

Encore que…