Le Monde de Djayesse

Le « gentil méchant garçon » (1), c’est Billy Benson (Joe Butterworth).

Comment peut-il être à la fois gentil et méchant ? C’est tout simple. Dès qu’il y a une bêtise de faite dans le voisinage, c’est Billy qu’on accuse. Normal, il se bat, et il est toujours là quand un mauvais coup est fait.

Sauf que s’il se bat, c’est avant tout pour protéger son père (Forrest Robinson), un inventeur raté (selon la rumeur publique) qui travaille depuis des années à un prototype d’extincteur.

Seule la fille du juge Fawcett (Mary Jane Irving) croit en lui et le défend contre tous.

Peut-être que c’est parce qu’elle est amoureuse de Billy…

Bien sûr qu’elle est amoureuse de lui. Et c’est tout à fait normal parce qu’il n’est en rien ce méchant garçon qu’on veut nous faire croire. Mais les circonstances sont contre lui : ses parents sont pauvres (le prototype du père n’a pas trouvé acquéreur), alors on se méfie. Forcément.

Je n’irai tout de même pas jusqu’à dire que Billy est un ange, mais c’est surtout qu’il a une drôle de façon de mettre en valeur ses qualités. Ces mêmes qualités n’étant pas obligatoirement ce qu’on attend d’un jeune garçon d’une dizaine d’années (il a treize ans quand sort le film) : il a entraîné son chien (Brownie, le chien qui commença sa carrière auprès de Chaplin dans A dog’s Life !) à grogner d’un simple claquement de doigts. Ca ne sert pas à grand-chose, sauf quand un margoulin veut exploiter la trouvaille de Benson père sans la payer au prix juste.

Parce que bien entendu, il y a un méchant dans cette histoire. C’est donc Walter Howe (Richard Wayne), qui travaille pour une compagnie qui s’intéresse de près à l’invention de Benson, à des fins (très) lucratives. C’est un homme sans foi ni loi qui s’arroge toutes les libertés, allant jusqu’à faire enfermer Benson afin d’avoir les mains libres. Mais comme d’habitude dans ce genre de films, il est châtié pour ses vilénies, ce qui n’est d’ailleurs que justice. Mais ce châtiment attendu (dès sa première apparition) ne sera pas traditionnel. En effet, le film est avant tout vu du point de vue des enfants : que ce soit Billy ou sa bonne amie (2).

On retrouve dans ce film l’esprit d’Eddie Cline qui a beaucoup travaillé auprès de Keaton, à l’écriture comme derrière la caméra. Mais on peut tout de même regretter l’absence du maître dans cette histoire somme toute gentillette et prévisible. Il manque le grain de folie qui aurait fait de ce film une comédie débridée. Les enfants ont souvent été de très bons vecteurs de comédie, de Jackie Coogan (3) dans The Kid à Our Gang. Mais ici, les situations comiques ne sont pas poussées jusqu’au bout, à part peut-être le retour de Howe dans la maison des Benson avec son molosse.

Bien sûr, le titre du film fait aussi penser à Douglas Fairbanks dans The good bad-Man quelques années plus tôt. Mais là encore, la comparaison s’arrête là, Cline ne haussant pas son savoir-faire au niveau de Dwan.

Mais on ne boudera tout de même pas son plaisir face à cette petite comédie qui met en scène avec justesse des enfants, surtout quand les deux principaux interprètes sont à la hauteur, ce qui n’est pas le cas de tous (4).

1. Une traduction du titre original plus proche que celle qui nous est ici proposée…
2. Etonnamment, elle n’a pas de nom.
3. On notera la présence d’un tout petit garçon chez les scouts dont le pantalon est beaucoup trop grand. Sa coiffure et ses gestes (on ne le voit jamais de près) ne sont pas sans rappeler le « Kid » de Chaplin.
4. Si le garçon en velours, bridé par sa maman est un élément comique pertinent, il n’en va pas de même de la petite fille blonde qui « embrasse » Billy.

Après le succès de Samson & Delilah (Cecil B. DeMille, 1949), les autres  grandes compagnies de cinéma se devaient de réagir. C’est donc le cas pour la Fox qui propose ce nouvel épisode biblique, mettant en scène un personnage des plus emblématiques de la religion juive : le roi David (Gregory Peck).

Mais il fallait tout de même une histoire d’amour pour que le film puisse fonctionner : c’est le cas avec l’aventure (et plus) que le monarque a eu avec Bethsabée (Susan Hayward)

David est donc roi d’Israël En se promenant sur sa terrasse, il aperçoit une jeune femme très belle qui procède à sa toilette. Attiré par cette beauté, il se renseigne sur elle et apprend qu’elle est mariée à l’un de ses commandants, Uriah (Kieron Moore), alors en campagne. L’éloignement de ce mari va donc rapprocher les deux amants qui vont même aller au-delà d’une relation platonique.

Mais la rumeur gronde et il semble que Dieu ne soit pas du côté de David : Nathan (Raymond Massey) demande justice au nom d’un peuple qui se sent délaissé de Dieu et de son roi.

Sans oublier que la relation entre David et Bethsabée est de l’adultère et que l’adultère est puni par la lapidation de la femme…

Trente ans avant Les Aventuriers de l’Arche perdue, Henry King nous propose déjà un film où cette Arche d’Alliance a un rôle sinon central, du moins important puisque celui qui pose ses mains impures dessus est immédiatement châtié de mort. C’est le cas d’un soldat qui veut la protéger quand elle penche dangereusement à l’entrée de Jérusalem. Et bien entendu, c’est ce jugement que nous attendons alors en ce qui concerne David qui ira se recueillir auprès de cet objet (artefact ?) merveilleux. Il faut dire que les mains de ce même David sont loin d’être pures, au vu des nombreuses turpitudes qu’entraîne son amour pour Bethsabée.

Cette séquence de recueillement sera d’ailleurs l’occasion pour King (grâce à Dunne) de nous montrer le combat mythique (je pèse mes mots) qui oppose le roi encore garçon au géant philistin Goliath (Walter Talun). (1) C’est une séquence relativement courte mais qui marque les jeunes esprits : ayant vu le film pour la première fois il y a environ quarante ans, je n’ai jamais oublié cette rencontre mortelle.

Le sujet a beau être religieux, le traitement du personnage principal – David – reste des plus humains. En effet, outre l’absence de merveilleux – aucune métamorphose, pas d’intervention divine (etc.) – le roi David reste foncièrement au niveau de n’importe quel homme, ne jouant que très peu sur sa position élevée. Même sa relation avec Bethsabée n’est pas une contrainte pour cette dernière qui l’aime sincèrement pour ce qu’il est et non ce qu’il représente.

Mais cette humanité basique se retrouve aussi dans sa relation avec le prophète Nathan qui, lui, voit en David le représentant de Dieu et nie donc son aspect humain : il ne peut se complaire dans cette relation amoureuse tellement éloignée des préoccupations royales qui doivent être les siennes. Et en plus, avec une femme mariée !

Au final, Henry King nous propose ici un bel épisode biblique, servi par une très belle distribution et un roi David formidable en la présence de Gregory Peck. Ce dernier, de par son allure et son jeu est le David humain dont je parle plus haut. En effet, Peck était imposant (1,9 m) mais a souvent joué des personnages dotés d’une certaine faiblesse (Spellbound, The Paradine Case…) ce qui cadre très bien avec ce roi qui ne se veut pas plus haut que les autres.

Quant à Susan Hayward, outre sa beauté, elle interprète avec justesse et surtout avec prestance une jeune femme volontaire, et qui n’est pas là seulement parce qu’elle est belle.

Quant à Raymond Massey, il est un Nathan terrible, un oiseau de mauvais augure : le véritable instrument de ce Dieu biblique (jaloux et courroucé) contre lequel s’élève David.

1. Walter Talun était un géant à sa manière. En effet, il mesurait 2,18m…

Istanbul (Stamboul), Porte de l’Orient.

Trois personnages : trois destins qui vont se rencontrer pour une histoire « de mystère, d’intrigue et de romance. » (1)

Le capitaine Carlisle Pemberton (Wheeler Oakman), officier britannique sensible aux charmes de l’Orient et des jeunes femmes, surtout celles qui ne portent pas de voile.

Le cheik Achmet Hamid (Wallace Beery), personnalité influente du Bosphore et dont le harem comporte quelques beautés.

Et enfin Sari (Priscilla Dean), la jeune vierge istanbuliote non voilée qui donne son titre au film et qui, comme toutes les femmes de son pays est déconsidérée car n’a pas d’âme, et par conséquent ne peut aller à la mosquée (Saint-Sophie).

Parmi les membres du harem de Hamid, il en est une qui a succombé aux charmes d’un autre officier britannique. Ce dernier est lâchement assassiné par le cheik dans la mosquée déjà citée, sous les yeux de la belle Sari. Hamid n’a alors pus le choix : il doit épouser la jeune femme pour s’assurer de son silence.

Mais la jeune femme aime Pemberton qui le lui rend bien.

Voici un film en parfaite adéquation avec son temps. En effet, à la fin des années 1910, on voit fleurir un peu partout de ces films exotiques essentiellement situés en Orient où les Occidentaux vivent des aventures plus ou moins mystérieuses (2).

C’est donc une série d’aventures qui se déroulent sous nos yeux avec moult barbes et turbans, comme l’exigent les stéréotypes de l’époque. Et dans le rôle du méchant, le grand Wallace Beery dans un rôle lui aussi exotique : avant d’être l’ignoble Indien de Last of the Mohicans ou encore le fourbe Chinois de A Tale of two worlds.

Mais c’est bien sûr Priscilla Dean qui porte le film, dirigée par un Tod Browning relativement inspiré et qui va faire d’elle une grande star, malheureusement un tantinet oubliée aujourd’hui. Elle est une Sari très convaincante, membre humble mais tout de même notoire de cette société ottomane, dont les derniers jours sont en train de s’écouler : l’année suivante verra l’avènement de Mustapha Kemal «  Atatürk » et le début de la fin des sultans.

Bien entendu, on trouve aussi les bons sentiments qui étaient de mise à l’époque et surtout l’aspect religieux indispensable dans ce genre de lieu : n’oublions pas la place des valeurs religieuses dans le cinéma américain, des origines à nos jours…

Certes, l’intrigue faussement complexe est des plus simples à concevoir la résolution, mais le résultat est là : Priscilla Dean est magnifique et Wallace Beery un de ces méchants dont on apprécie le châtiment final, suite à un combat au couteau, la seule arme pertinente à Istanbul.

Mais tous ces stéréotypes vont bientôt – en partie – disparaître puisque l’année suivante va se présenter sur les écrans un autre cheik, aux manières beaucoup moins frustes et barbares, et surtout au rôle positif (impensable en 1920) : The Sheik de George Melford, avec l’inoubliable Rudolf Valentino.

Cent un ans, déjà.

1. C’est ce qu’annonce un intertitre d’introduction.
2. Même Fritz Lang s’y est mis avec son diptyque Die Spinnen.

Richard « Dick » Turpin (le titre original, donc) est un personnage qui a réellement existé. Il fut un bandit de grand chemin anglais au XVIII^ème siècle, à l’origine un boucher, et a semé la terreur – et réalisé de nombreux fric-frac – dans la campagne anglaise avant d’être arrêté et exécuté en 1739 (il avait 33 ans).

Bien sûr, la légende qui s’est développée autour de ce personnage ne pouvait qu’inspirer les scénaristes d’Hollywood, et c’est pourquoi John G. Blystone tourna cette adaptation avec une véritable légende de l’époque : l’immense Tom Mix.

Ici, nous rencontrons un Dick Turpin bien installé dont les manières sont plus celles d’un Robin des Bois (1) que d’un boucher : c’est, comme le dit le titre français, un gentleman brigand qui détrousse les riches pour donner aux pauvres (2). Et même s’il s’agit d’un homme d’église qu’il rencontre dans l’exercice de son métier, c’est lui-même qui offre au prélat une partie de son butin : pour les pauvres.

Nous faisons aussi la connaissance de son ami et alter ego Tom King (Alan « little John » Hale), autre brigand de grand chemin et bien sûr de l’élément féminin, lady Alice Brookfield (Kathleen Myers). Cette dernière est promise à l’ignoble Lord Churlton (Philo McCullough), par son oncle Crabtree (James Marcus).

Bien entendu, la rencontre de Turpin et de la belle Alice va changer le destin e cette dernière qui n’aura plus qu’une envie : fuir Lord Churlton pour vivre avec le beau Dick.

Mais comme il est un hors-la-loi, cela ne va pas être facile.

Il est bien rare de trouver Tom Mix hors du far-west, et ce film n’en est que plus précieux : il nous démontre qu’il sait très bien s’adapter à une intrigue en costume et manier l’épée plutôt que le six-coups. Certes, son escrime n’a pas la facilité de Douglas Fairbanks, et ses bonds sont moins impressionnants. Mais il n’en demeure pas moins un Dick Turpin des plus sympathiques, un de ces héros britanniques qu’on aime à voir défendre les pauvres et les opprimés (voir les exemples nommés précédemment).

Mais Tom Mix ne serait pas Tom Mix sans son cheval Tony (3), prétexte à quelques chevauchées et autres prouesses équines.

Et ça marche ! Il faut dire que Blystone et Mix n’en sont pas à leur coup d’essai ensemble et il est évident que cette histoire de brigand bien-aimé est faite sur mesure pour le cowboy acteur. Outre ses exploits chevalins, il réalise quelques cascades spectaculaires qui n’ont rien à envier à celles de Fairbanks. Bien sûr, la structure du film rappelle celle du western – difficile de renier ses origines – et avec une pointe d’ironie bienvenue : puisqu’on tord le cou à la vérité historique, autant le faire en s’amusant.

Et si Tom Mix est formidable, on appréciera aussi ses partenaires – Alan Hale, bien sûr, mais pas que lui – dont l’incontournable James Marcus, second rôle maintes fois croisés dans les films de ce blog. Sans oublier Bull Montana et son faciès de brute dont le rôle ici n’est pas seulement figuratif. D’ailleurs, il ne se bat même pas (4).

Alors n’hésitez plus et ruez-vous sur cette perle muette et en faisant bien attention, vous y verrez peut-être Carole Lombard et un débutant qui va se révéler deux ans plus tard : Gary Cooper !

1. Ou Dennis Moore pour ceux qui connaissent…
2. Mais pas des lupins !
3. Tony the Horse, qui lui survivra deux ans !
4. Désolé de révéler une partie de l’intrigue… Euh non, finalement, pas du tout.

Barfleur sur Oron est «  une petite ville française typique » avec son église, sa douceur de vivre et ses notables, comme on en trouve beaucoup à cette époque. Parmi eux, on trouve celui qui donne son titre au film : monsieur Moulinet (Raimu).

Moulinet est le bienfaiteur de Barfleur : rentier généreux, il n’hésite pas à mettre la main à la poche pour aider le projet de bienfaisance (bien sûr) de la belle madame Verger (Suzy Prim). Mais il sait aussi intervenir quand les choses se gâtent au village : c’est lui qui maîtrise l’alcoolique avant qu’il ne se blesse ou mette le feu à sa maison. Et bien sûr, il invite régulièrement ses concitoyens notables à sa table, le maire en tête (Charles Granval) pour des repas des plus fins. Et bien entendu, il n’est pas épargné par les critiques : des jaloux, comme on s’en doute.

Cette honnêteté est bien trop belle pour être vraie ? Oui, car quand il se rend à Paris, ce n’est pas pour enterrer un vieil oncle mort de sa belle mort, mais pour retrouver ses complices. Moulinet redevient alors Guyot, chef d’un gang de malfaiteurs.

Les premières images ne sont pas sans annoncer Le Corbeau qui sortira quelques mois plus tard (1) : en effet les premiers plans nous montrent sommairement la petite ville avant de s’intéresser plus précisément à ce bienfaiteur bien singulier. Mais alors que Clouzot s’intéressera surtout aux relations entre les concitoyens, Henri Decoin lui se concentre sur cet étrange bienfaiteur. Nous avons tout de même droit à quelques réflexions bien senties de ces jaloux sus cités, mais on aurait peut-être aimé en avoir un peu plus…

Quoi qu’il en soit, le personnage double de Moulinet/Guyot est du pain béni pour un acteur de la trempe de Raimu qui s’épanouit dans ce rôle, son aspect affable et honnête étant contrebalancé par celui du braqueur de bijouterie.

On sent bien que Decoin a une préférence pour ce côté obscur de son personnage, donnant à la séquence parisienne un aspect un tantinet noir mais qui rappelle surtout les films de gangsters américains de la décennie précédente puisque ceux de la décennie 1940 sont alors interdits en France du fait de l’Occupation. Mais nous ne sommes ni chez Hawks, ni chez Walsh (ou Wellman, LeRoy…) et l’usage des flingues est un brin excessif.

Il n’empêche, ce hold-up est mené de main de maître par notre « bienfaiteur ».

Mais nous sommes en 1942 et il n’est pas question de porter aux nues un tel personnage, même si on ne peut que l’apprécier (l’admirer serait tout de même excessif…). Il est donc indispensable de s’en débarrasser. Et c’est là qu’est la subtilité du scénario de Decoin et Labarthe.

Après avoir lancé un policier à ses trousses – l’inspecteur Picard (Georges Colin) – il réussit à préserver les deux parties de l’enjeu : la morale est sauve sans que le personnage ait perdu de sa superbe et de son aspect sympathique. Et puis Raimu étant Raimu, on ne pouvait pas en faire un salaud patenté comme ça.

C’est donc un film qui fleure bon son époque, loin des canons énoncés par Goebbels lors de la création de la Continental-Films : créer « des films légers, vides et, si possible, stupides. »

Et on y retrouve quelques visages de cette même époque : Maupi (Jambe d’Azur) qui n’a plus rien d’un faire-valoir pagnolesque, ou encore Jacques Baumer (le patron de la PJ), et bien sûr l’inévitable Pierre Larquey, en notable ridicule avec ses cent mille francs.

(1) D’où la citation entre guillemets.

Sherlock Holmes (Robert Stephens).

L’un des personnages les plus adaptés au cinéma se retrouve confronté à un ennemi des plus redoutables qu’il ait jamais dû affronter : Gabrielle Valladon (Geneviève Page).

Non pas que cet(te) ennemi(e) soit des plus redoutable, mais parce qu’elle met en lumière le rapport de Holmes avec les femmes : un rapport des plus distinct voire lointain comme il tente de s’en expliquer avec son ami et complice de toujours : le docteur Watson (Colin Blakely).

On peut bien sûr voir un écho dans le rapport aux femmes de Holmes avec Joe/Josephine (Tony Curtis) et Jerry/Geraldine (Jack Lemmon, un habitué du maître) : Holmes va se faire passer pour homosexuel afin d’échapper à une femme vampire de la pire espèce (pour lui) : la Petrova (Tamara Toumanova) qui veut un enfant de lui (entre sa beauté et son intelligence…)

Mais cela ne dure pas et nous sommes rapidement envoyés sur une intrigue digne d’Arthur Conan-Doyle, même si elle fut élaborée par Wilder soi-même (n’oublions pas qu’il a commencé comme scénariste) et I.A.L. Diamond. Et de ce point de vue, l’auteur originel n’a pas été trahi : nous sommes dans une nouvelle énigme qui n’a rien à envier aux autres, extrapolant sur le rapport lointain que l’immense détective entretient aux femmes.

Certes, Gabrielle Valladon n’est pas Irene Adler, mais alors que Guy Ritchie extrapole lui aussi sur un personnage existant chez Conan-Doyle, Wilder crée cette Gabrielle de toute pièce, donnant une autre dimension à cette femme rescapée d’une noyade tamisienne.

A nouveau, on retrouve chez Holmes ce qui a fait son personnage dans les différentes adaptations cinématographiques, sans toutefois l’aspect misanthropique qui lui est propre dans les récits de Conan-Doyle (1).

Et bien qu’l, s’agisse d’une histoire absolument extérieure au personnage de papier que nous connaissons, il faut avouer que Wilder a réussi à créer pour nous une histoire dans la droite lignée de celle de son créateur originel, avec un Watson chroniqueur certes, mais avant tout humain : son attitude auprès des danseuses du ballet de la Petrova ne sera tempérée que par le tour de cochon que fera Holmes pour se dégager des griffes de cette dernière (voir ci-dessus).

Bref, un film où à  nouveau l’ambiguïté est de mise, à travers le personnage principal qui est un misogyne assumé jusqu’au moment où Gabrielle entre dans sa vie. Mais cette intrusion pertinente s’explique essentiellement par le fait qu’elle se rue, nue, hors de sa chambre pour se lover entre les bras de son nouveau protecteur qu’elle prend pour son mari, Holmes.

Bien sûr, Wilder parsème son film d’éléments propices à nourrir l’intrigue policière (c’est une enquête, ne l’oublions pas, mais c’est peine perdue : nous n’avons d’yeux que pour cette idylle singulière entre deux personnages d’exception, sous les yeux d’un témoin partial – peut-être – mais avant tout digne de foi, comme semble le montrer le générique, relique du film initial qui devait être beaucoup plus long.

Et somme toute, Wilder réussit à capturer ce qui fait le sel des aventure du détective, nous proposant une aventure un tantinet décalée de ce que nous avons pu lire ou voir auparavant, mais sans sortir du cadre – éthique – élaboré par Sir Arthur.

Une réussite.

1. On retrouve cette dimension dans la belle série Sherlock de 2010 (avec Benedict « Dr. Strange » Cumberbatch dans le rôle-titre)

Moonflleet est un village sur la côte anglaise occidentale. Si on y trouve des contrebandiers comme le suggère le titre français, on y rencontre aussi Jeremy Fox (Stewart Granger), un jeune homme distingué et très charismatique.  C’est un homme entouré de femmes du fait de son charme naturel et peut-être aussi grâce à sa richesse fabuleuse.

Il faut dire que depuis son arrivée dans Mohune Manor, il dirige les contrebandiers déjà cités.

C’est lui que le très jeune John Mohune (Jon Whiteley) est venu voir suite à la mort de sa maman Olivia : elle fut un temps la maîtresse de Fox qui dut s’enfuir parce que ses beaux-parents en puissance ne voulaient pas de lui, n’ayant pas hésité à lâcher les chiens sur lui…

Certes le tournage fut terrible et Lang quitta la production dès le dernier tour de manivelle effectué. Il n’empêche qu’on a tout de même affaire à un film du maître, même si on peut le considérer comme mineur comparé à d’autres. On retrouve brièvement certains éléments qui ont fait son succès et sa réputation comme l’éclairage de la statue de l’ange ou encore la main qui surgit de nulle part.

Mais malgré cela, on reste dans un film d’aventures somme toute très traditionnel, un de ces films qui fleurirent pendant l’âge d’or d’Hollywood. Et à l’instar de L’Ile au Trésor, c’est avant tout du pont de vue de John Mohune que se situe la narration.

Et Jon Whiteley est un interprète formidable de ce jeune garçon (qui a 15 ans dans le roman, à peine dix ici), naïf mais très attachant.

L’autre personnage que nous avons plaisir à suivre est bien sûr Jeremy Fox. Stewart Granger est impeccable et ce malgré quelques tensions avec le réalisateur ! Certes il n’a pas l’épée aussi prompte que dans Scaramouche, mais il a encore de beaux restes comme le montre le duel qu’il fait avec un de ses associés armé d’une hallebarde ! (1)

Evidemment, Fox n’est pas un enfant de chœur, mais il ne faut pas sous-estimer la part rédemptrice du cinéma américain : Fox va se racheter auprès du jeune garçon, même si ce dernier ne se rend compte à aucun moment de la part maléfique de son « ami ». Et ce malgré un échantillon très caractéristique avec un autre de ses associés : alors que ce dernier a tenté de lui envoyer un poignard à travers le corps, Fox le tue froidement d’un coup de pistolet, montrant, s’il était besoin, qu’il est le vrai chef de cette bandes de brigands de la côte.

Aux côtés de Granger/Fox, on trouve un couple bien singulier, interprété par deux habitués prestigieux des seconds rôles : George Sanders et Joan Greenwood qui interprètent Lord et Lady Ashwood, d’autres associés de Fox. Entre le flegme de Sanders et la voix caractéristique de Miss Greenwood, nous avons un couple mal assorti à première vue mais qui fonctionne très bien dans leur branche.

N’oublions pas non plus les contrebandiers eux-mêmes aux têtes plus ou moins patibulaires parmi lesquels on reconnaîtra Melville Cooper (Ratsey) qui fut Shérif de Nottingham face à Errol Flynn, et Jack Elam (Damen) et son œil reconnaissable, souvenir d’une bagarre quand il était enfant.

Au final, si Lang n’a jamais voulu reconnaître ce film, on passe tout de même un bon moment avec ce gentleman-contrebandier, ni complètement bon ni complètement méchant, véritable idole du jeune Mohune qui ne cesse de l’admirer.

Et même si cette admiration occulte aux yeux de l’enfant les travers de Fox, quand le film se termine, et même si Fox est sauvé (voir plus haut), la morale reste sauve : il n’y a plus de contrebandiers.

PS : si Jon Whiteley nous a quittés en mai dernier, il reste encore Donna Corcoran en vie. Elle interprète ici Grace, la jeune fille qui emmène Jon chez Fox.

1. Normal, c’est le nom du pub dans lequel cela se passe.

Cet « homme de l’année » du titre, c’est Tom Dobbs (Robin Williams), un comique de télévision qui, sur la remarque d’une spectatrice de son émission, va se présenter à la présidence des Etats-Unis, troisième homme d’une élection malgré tout cadenassée par les deux grands partis : Démocrate et Républicain.

Qu’importe, il va faire campagne et contre toute attente remporter l’élection.

Sauf que (1) les résultats sont faussés par un bug informatique : le vote est électronique. C’est Eleanor Green (Laura Linney) qui révèle le problème à sa hiérarchie qui elle, préfère enterrer l’affaire : les profits engendrés par cette élection et ceux par les autres à venir sont trop tentants.

Mais cette Eleanor Green devient gênante…

Bien qu’il s’agisse d’un film qui n’est jamais sorti en salles en France (2), on y retrouve le ton et même la structure d’un autre film de Barry Levinson où jouait déjà Robin Williams : Good Morning Vietnam. En effet, cette fois-ci, Williams est un amuseur qui a troqué la radio pour la télévision, et qui, sous des dehors amusants amène une réflexion sociale et politique. Et comme dan le film précédent, il y a un basculement qui va emmener la comédie vers un ton plus sérieux (trop pour certains) : ici, c’est bien sûr la désignation de Dobbs comme vainqueur. Et à nouveau, Robin Williams change son jeu pour s’exprimer avec sobriété exigée et la retenue dont il était capable. Evidemment, ila parfois tendance à en faire un peu trop, mais c’est aussi dans la nature de son personnage, et le changement de ton nous rappelle qu’il sait aussi rester sobre quand l’intrigue (et le réalisateur) l’exige(nt).

Bien entendu, Robin Williams porte le film mais Laura Linney – encore une fois dans une intrigue politique – fait plus que de la figuration à ses côtés et complète très bien cette intrigue improbable. En effet, au moment de la rupture dans la narration et le ton, elle va prendre les commandes de l'intrigue qui va se resserrer autour d'elle.Elle interprète avec conviction et justesse cette informaticienne trop douée pour une compagnie faussement philanthropique : non, Delacroy n’est pas  une compagnie honnête et ses moyens, bien que soient technologiquement à la pointe du progrès, n’en demeurent pas moins des pratiques criminelles dignes de n’importe quel parrain mafieux.

De plus, la présence de Jeff Goldblum dans le rôle du conseiller technique de cette entreprise en renforce le caractère maléfique (3). Pourtant, Delacroy aurait dû savoir que posséder Goldblum dans ses rangs était un signe de faillite…

Ce film fut diffusé sur une chaîne privée payante dont l’éclat a beaucoup terni ces derniers temps et que je ne nommerai pas lors de l’élection américaine de 2008, et le resserrement de l’intrigue autour du vote électronique rappelait alors certaines anomalies dont les médias se firent l’écho lors de l’élection de Bush Jr. quatre ans plus tôt. Mais c’est en cette période de fin de présidence actuelle que le film peut prendre toute sa dimension : comme l’actuel (pour quelques jours encore) locataire de la Maison Blanche, il s’agit d’un comique. Mais alors que Dobbs l’est volontairement et le reste quoi qu’il en soit, « Celui-Dont-On-Ne-Doit-Pas-Prononcer-Le-Nom » a rapidement lassé les patiences et surtout amené des débordements indignes du pays dont il se dit le garant.

Et surtout, alors que l’on sent poindre quelques (légers) éléments populistes dans le discours de Dobbs (3), à aucun moment il ne va exalter des valeurs extrêmes voire extrémistes et surtout, il reste ce qu’il a toujours été, un honnête homme : quand il comprend que sa victoire est usurpée et qu’il n’a donc pas gagné, il le reconnaît.

1. Dans une telle situation, il y a toujours un « sauf que ».
2. Le système électoral américain devait être considéré comme « non vendeur ».
3. Il n’est pas un « politicien de métier » !
4. Goldblum serait-il passé du côté obscur avant d’en avoir atteint l’âge ? Il n’est (en 2006) pas encore une vieille gloire du cinéma américain…

Johnny « Burn’em up » Barnes (Johnny Hines) est un jeune homme oisif dont la seule activité est la course automobile sur les engins de son père, le vénérable Whitney (J. Barney Sherry). Lors d’un jeu (idiot), il lui est prédit qu’il rencontrerait sa promise à Westwood (Pa.). Bien sûr il n’y croit pas du tout, n’ayant aucune envie de se retrouver dans un trou paumé.

Pourtant, le destin va le mettre sur la route de la Pennsylvanie, et surtout sur celle de la belle Madge Thompson (Betty Carpenter) qui habite… A Westwood !

Ce résumé succinct est très simplifié par rapport à l’intrigue imaginée par Harry L. Fraser et scénarisée par Raymond L. Schrock : en effet à l’intérieur de cette ligne principale, on trouve une poursuite en voiture, un banquier qui mène une double vie, un repris de justice qui sera repris de justesse suite à un braquage, et une prison bien singulière. Et encore, j’en oublie tant les détails foisonnent.

Johnny Hines, qui a donc coréalisé le film avec George Beranger (un transfuge de chez Griffith) était un comique de seconde zone, spécialisé dans les rôles (d’)intrépides. Son oubli actuel est aussi dû à l’écrasante prépondérance des quatre géants de la même époque : Chaplin, Keaton, Langdon et Lloyd. Mais pas qu’eux.

Toujours est-il qu’on comprend aisément qu’il soit tombé dans l’oubli : si son personnage est très sympathique, il n’a que très peu d’épaisseur et la complexité du scénario bride les possibilités comiques qui auraient pu être dégagées des différentes situations par les grands personnages citées plus haut.

L’intrigue n’arrive pas à se situer clairement dans un registre ou dans l’autre : on passe alors du comique au sérieux sans véritable transition, surtout avec l’apparition du personnage maléfique de l’histoire : Ed Scott (Matthew Betz). Ce personnage louche et malhonnête est le beau-frère du futur beau-frère de Johnny Barnes (1). Le tournant sérieux sera fatal au fil qui débutait pourtant sur des bases prometteuses, le personnage de Johnny s’annonçant intéressant et le ton employé étant celui de la comédie comme en témoignent les intertitres (en piteux état, parfois mêmes illisibles !).

Et l’intrigue se resserrant sur Johnny n’y fera rien, on a perdu le ton enjoué initial et rien ne le ramènera.

Reste alors un film plaisant certes mais quand même très moyen où on découvrira tout de même les débuts – en tant qu’acteur – d’un cinéaste qui fera parler de lui quelques années plus tard : Richard Thorpe. Il interprète ici le rôle du futur beau-frère déjà mentionné. Deux ans plus tard, il passait de l’autre côté de la caméra, enchaînant plus de 180 collaborations alors qu’il ne fut acteur que quatre fois.

       1. Puisque je vous dis que l’intrigue est complexe !

Il était temps que cela se termine. Commencée six ans plus tôt avec Paul Verhoeven, la trilogie Robocop arrive à terme et accouche, dans la douleur comme c’est souvent le cas, d’un dernier opus qu’on aurait peut-être pu éviter. Même Frank Miller, qui est à l’origine du personnage a jeté l’éponge, dégoûté par les manœuvres du studio qui a écarté ses (bonnes ?) idées. Et avoir choisi un spécialiste de l’horreur – Fred Dekker – pour la réalisation n’a peut-être pas été non plus une bonne idée.

Résultat un film poussif (1) où les personnages sont élaborés à coup de serpe et où la base même du personnage de Robocop (Robert John Burke), la dualité homme/machine, se noie dans une débauche de séquences d’action et surtout de fusillades, avec avènement de Robocop en super-héros (il vole !).

OCP (le consortium de salauds qui veut asservir le monde) a été racheté par une firme japonaise mais ses pratiques n’ont pas changé d’un iota : il est prévu d’évacuer Cadillac Heights (Detroit, Michigan) pour y implanter un nouveau complexe futuriste (2). En clair, ils virent les gens de chez eux (et les éliminent définitivement du paysage) pour implanter des structures qui rapporteront encore plus d’argent. Mais Robocop, qui a vu mourir sa partenaire historique Anne Lewis (Nancy Allen) se range du côté des insurgés pour faire triompher la justice contre cette bandes de « sacs à merde capitalistes ».

Il y a deux sortes de films de science-fiction : ceux qui jouent sur la situation et ceux qui jouent sur les accessoires. Inutile de vous dire que le film de Dekker appartient à la deuxième catégorie (4). Cette dernière a le malheur de mal vieillir à mesure que le temps passe et que la réalité des spectateurs rejoint le temps de l’intrigue. Et Robocop n’échappe pas à cet écueil. 

Bien sûr, les effets spéciaux sont devenus obsolètes avec l’avènement du numérique mais cela n’est pas là le plus gênant : Cary Grant dévalant ivre la pente dans North by Northwest avec incrustation d’images dans le pare-brise arrière n’est pas beaucoup mieux. Ce qui prête à sourire c’est tout le reste : la télécommunication est un très bel exemple de fausse route empruntée par les scénaristes : à l’heure du téléphone portable et de l’internet, on n’imagine pas un appel Skype facturé ! Quant à l’appareil dans la voiture d’Anne Lewis, on peut franchement en rire (ne parlons pas non plus informatique…).

Quant aux personnages, si on retrouve avec plaisir Rip Torn dans un rôle de faux-cul magnifique, on est frustré de la minceur des différents personnages. Le méchant – Paul McDaggett (John Castle)  – l’est mais cela ne suffit pas : il ne se distingue en rien des autres qu’on a pu rencontrer ici ou là et aurait pu être remplacé par n’importe qui : un type basique comme la plupart des personnages du film, sans véritable contexte.

Et pourtant, il y avait des occasions de creuser un peu plus, mais ce ne fut pas le cap choisi par Dekker qui enchaîne les scènes plus ou moins spectaculaires, essayant (peut-être) de battre un quelconque record de morts dans un film. Et encore.

Bref : à oublier.

1. C’est comme ça qu’on dit dans les revues spécialisées…
2. Toute ressemblance avec quelque situation actuelle est absolument fortuite, cela va sans dire.
3. Propos tenu par le docteur Lazarius (Jill Hennessy).
4. Ah tiens, finalement, si.